CULTURA MEDIÁTICA

La Innovación del Ciudadano Kane

2007-12-05T20:04:00.000-08:00

Citizen Kane (1941) es considerada una obra maestra dentro del séptimo arte; dirigida por el estadounidense Orson Welles, esta película se inspira en la vida del magnate William Randolph Hearst. La cinta rompe con todos los tradicionalismos de la industria cinematográfica, introduciendo una serie de innovaciones fílmicas que se convirtieron en la plataforma de los estándares contemporáneos. El argumento narra la vida de Charles Foster Kane, un personaje que se presenta como ícono de la cultura mediática norteamericana; Kane muere y un periodista comienza a investigar el significado de la última palabra pronunciada por el protagonista: Rosebud.

Orson Welles nació en Wisconsin (Estados Unidos), fue un director, productor, actor y guionista. Inició su carrera en el ámbito teatral y en 1938 alcanzó una considerable fama con su versión radiofónica de La guerra de los mundos del escritor H. G. Wells; los radioescuchas que no escucharon el inicio del programa pensaron que se trataba de una verdadera emisión de noticias, provocando sobresalto en Nueva Jersey y Nueva York. Posteriormente, firmó un contrato con la productora RKO que le daría bases para realizar su más exitoso filme Citizen Kane (1941). Tiempo después dirigió The Magnificent Ambersons (1942), único filme que dirige y en el que no actúa; su filmografía también incluye The Lady of Shangai (1947), Macbeth (1947), Othello (1952), la cual fue premiada con la Palma de Oro del Festival de Cannes, Touch of Evil (1957) y The Trial (1962). La cronología de su filmografía puede ser difícil de establecer debido a las diversas películas que no se terminaron de filmar por problemas de financiación. Welles era un artista impugnado por la industria del cine al que le gustaba fusionar hechos verdaderos con hechos ficticios; él marcó una época en la historia cinematográfica: el cine antes y después de Citizen Kane.

Citizen Kane es una película estadounidense del año 1941; ganó su único Oscar en la categoría de Mejor Guión Original, el cual fue escrito por Orson Welles y Herman J. Mankiewicz. Al inicio de la película muere Kane y la historia se narra retrocediendo temporalmente y regresando al presente [técnica conocida como flashback]; se relata la vida de Kane y la investigación que se llevó a cabo posterior a su muerte. La fotografía (Gregg Toland) se muestra en blanco y negro; un contraste de luz y oscuridad que proporciona mayor sensibilidad y dramatismo a las escenas. Los efectos de claroscuro se combinan con una iluminación, en ocasiones sombría y siniestra, estableciendo un efecto visual que forja un sentido de incertidumbre. Se utilizan diversos movimientos de cámara que incluyen travellings y dollys; también se perciben el manejo de las posiciones en picada y contrapicada de la cámara [durante las conversaciones, la cámara exhibe a un Kane contrapicado, proporcionándole una sensación de autoridad, poderío y superioridad]. Asimismo, se crea un nuevo lenguaje cinematográfico que juega con la profundidad de cámara. El sonido en las películas de Welles se encuentra minuciosamente instalado, esto se debe a la influencia de la radio y del teatro. Los productores de la película fueron el mismo Orson Welles, Richard Baer y George Schaefer.

Charles Foster Kane es un personaje egocéntrico y manipulador que deseaba ser admirado por todo el mundo; sin embargo, su extravagante personalidad lo convierte en un ser solitario y él único que realmente lo quería era él mismo. Su periódico se convirtió en un medio masivo de expresión; se casó con la sobrina del Presidente de los Estados Unidos y posteriormente con una cantante de ópera. Él se caracteriza por conseguir todo lo que desea. En Citizen Kane se utiliza un método narrativo (flashback) poco utilizado en aquella época: al inicio muere Kane (Orson Welles) y subsecuentemente algunas personas rememoran momentos de la vida del magnate mediático. Thompson (William Alland) es un periodista que se encarga de entrevistar a diversos personajes que fueron esenciales en la vida de Kane: el abogado, el mejor amigo, la segunda esposa y el mayordomo; asimismo, lee diversos escritos del tutor de Kane. El propósito de esta investigación es conocer el significado del término Rosebud [se teoriza que es algo que Kane perdió o que jamás pudo conseguir].

Citizen Kane se ubica en un contexto histórico en el que Europa se encontraba en guerra (Segunda Guerra Mundial) y Estados Unidos se mantenía aislado pero a punto de ser atacado en Pearl Harbor. El surgimiento del nazismo y fascismo habían generado un conflicto que tenía a Estados Unidos en constante debate: aislarse del conflicto y provocar que la población permanezca ignorante de lo que sucede en el mundo o intervenir en el conflicto para lograr influencia política y poder económico. Charles Foster Kane es la figura manipuladora que personifica a los medios de comunicación en los Estados Unidos; al analizar las circunstancias de la película, podremos darnos cuenta de que la relación entre los medios de comunicación y las masas es directa, es decir, no hay ningún elemento que se interponga, no hay verdaderos líderes de opinión que filtren la información que se transmite. Incluso, la gente era atacada por bombardeos mediáticos [publicitarios] que regían sus vidas y dictaban las reglas que la masa debía acatar.

Una sociedad sin criterio ni capacidad para realizar un juicio; norteamericanos envueltos en una manipulación mediática; medios de comunicación que se convierten en poseedores de una verdad despótica; son todas características de la obra de Welles. Una guerra publicitaria que ataca a la sociedad y la vence sin resistencia alguna, posteriormente la convierte en prisionera y la esclaviza; la gente se vuelve impotente y su respuesta a los estímulos mediáticos es siempre homogénea. Los medios publicitarios, representados por Kane creen ser omnipotentes. Esta película nos presenta la manera en que los medios masivos de comunicación en la década de 1940 pretendían convertirse en la veracidad social, inyectando literalmente la información [que ellos consideraban más conveniente] en individuos incapaces de comunicarse [viviendo en una cultura donde se cree que los medios tienen la razón].

"Un jovencísimo Orson Welles revoluciona el mundo del cine con su ópera prima que el infalible argumento del paso del tiempo ha convertido en obra maestra. Una película de original estructura e inédita realización que narra las aventuras y desventuras en la ajetreada vida de un magnate de los medios de comunicación. La intriga viene en forma de una palabra que hoy en día está encumbrada en el vocabulario más cinéfilo: Rosebud"

-Rufo Pajares

No Consumas Tu Futuro...

2007-12-05T18:14:00.000-08:00

Una campaña en contra del alcohol... Yo la dirigí y la edité...

Reconstruyendo mi memoria...

2007-12-05T08:31:00.001-08:00

(Basado en "La misteriosa Llama de la Reina Loana")

Yo sé que mi estancia en la tierra es temporal y pareciera relativa. “¿Por qué no puedo acordarme de lo que sucedió antes de mi nacimiento?”, me pregunté mientras abría los ojos, “¿por qué no puedo acordarme de lo que sucedió antes de hoy?”. Me di cuenta de que estaba en la cama de algún hospital. Siempre he sido una persona curiosa y activa, constantemente tengo la necesidad de buscarle una solución a todo lo que ocurre. ¿Por qué vivimos? ¿Por qué los aviones no se caen? ¿Dónde vamos al morir? Lo único que recuerdo es que la metafísica afirma que todo ser humano proviene de un lugar del cual no nos acordamos.

Alguien encendió un televisor; mi mente escapa de la realidad y crea un mundo inexistentes ante los ojos de los demás:

Mi infancia rodeada de "Las Tortugas Ninja"...

El deporte favorito de mi infancia y el programa que me fascinaba...

Los héroes de televisión...

¿Y el miedo?

Estos programas de televisión fueron parte esencial de mi infancia; cada uno despertaba sentimientos y emociones diferentes...

Cada minuto del día es diferente y único. Esto, según yo, se debe a los constantes cambios que sufren los objetos que percibimos. El problema es que yo relaciono mi experiencia con las ideas que establezco como universales.

Hoy no es un día rutinario; no hay clase matemáticas ni de historia. “Las ideas inmutables reflejan el verdadero conocimiento”. El conocimiento es alcanzable y se relaciona primordialmente con la razón.

Caminaba por la calle cuando una camioneta Chrysler color marrón se estacionó junto mí. Aparecieron tres hombres vestidos de negro y me rodearon; intenté gritar y pedir ayuda pero una mano opacó mis gritos. Nadie ha visto nada. Me convertí en un bulto amarrado; un cojín oprimía mi espalda y un pañuelo la boca. Me invadió un sentimiento que reconocí como “miedo”; mi mundo se reducía de manera absurda; mi libertad se había visto limitada y mi realidad había cambiado. De un instante a otro mi nueva vida dio un giro inesperado y una música me regresó en el tiempo:

¿Cómo olvidar "Gatos en el Balcón"?

Y la Onda Vaselina...

Britney Spears (pero sólo al comienzo de su carrera)...

En la pequeña habitación donde me encontraban, sólo había un baño muy sucio, un colchón demasiado viejo y unos libros cubiertos de polvo. En ningún momento del día apreciaban la luz del sol. El tiempo no se detenía; y a pesar de que mi espacio se había reducido, la imaginación se había expandido.

La lectura del miedo...

La risa y la diversión...

Cuando se comienza a crecer...

Uno de esos días de cautiverio desperté y me encontré en un lugar desconocido; habían “seres” a mi alrededor… pero no eran personas humanas; parecían sombras. Estaba mi cuarto sin puertas; una luz muy tenue entraba por una de las esquinas del cuarto. Me percate de que habían unas escaleras que llevaban a un piso superior. Caminé lentamente, lo único que se escuchaba eran mis pisadas; comencé a subir las escaleras… subía y pareciera que no había fin; las escaleras simplemente no terminaban. La luz se intensificaba cada vez más. Yo sabía que tenía que utilizar la razón, la cual lo llevaría a la certeza y por ende al mundo real. De pronto, escuché unos pasos que se acercaban.. me detuve unos instantes… y los pasos ajenos dejaron de sonar. Decidí seguir caminando, pero al momento que di el primer paso escuché nuevamente al invasor… mi corazón no dejaba de latir, sentía que las paredes se apretaban contra mi cuerpo y me iban ahogando poco a poco. Finalmente vi el fin de las escaleras y pensé: “¿De quién eran los pasos que escuchaba?” Resolví no darle importancia y me precipité a la salida. Al llegar ahí, noté que había llegado a un cuarto donde la luz era tan potente que no me permitía abrir los ojos; la publicidad de diversas películas comenzó a surgir:

Bella y Bestia son...

Aladdin...

Run Forrest, run...

Sound of Music...

La luz fue perdiendo intensidad hasta que finalmente fui capaz de distinguir a una persona con rostro familiar: era mi padre. En ese mismo instante, recordé que había sido secuestrado, “¿cómo he llegado aquí?” Mi papá se mantenía de pie frente a mi; traté de tomarle la mano pero él desapareció y todo empezó a oscurecer…

Abrí los ojos lentamente, estaba acostado nuevamente en la cama del hospital. Todo estaba en su lugar; la realidad para algunos es sólo aquello que permanece fijo, que permanece de manera inmutable. Yo creo que parte del conocimiento se deriva de la experiencia y de aquellas cosas que cambian en el mundo físico. “¿Qué había sucedido?” “¿El secuestro había sido un sueño?”

Mi publicidad...

Vidas Cuadradas

2007-12-04T22:10:00.000-08:00

El Cubo

Seis personas que se desconocen entre sí despiertan atrapadas en un laberinto surrealista compuesto de un sinfín de habitaciones cúbicas y con trampas mortíferas…

El filme de ciencia ficción dirigido por Vincenzo Natali, Cube, se presenta como una alegoría sobre la sociedad y el ser humano: los miedos, los agobios, los instintos de supervivencia. Un grupo de humanos despierta en una especie de cárcel constituida por cámaras cúbicas; no se conocen entre sí y no tienen idea alguna de cómo han llegado a este misterioso lugar. Cada uno de los personajes tiene una profesión y una habilidad distinta: ellos son un policía, un ingeniero, una estudiante, una doctora, un ladrón experto en fugas y un autista.

Los protagonistas saben que necesitan trabajar como grupo para poder sobrevivir los distintos desafíos dentro del cubo y lograr escapar; además, las matemáticas se convierten en un componente fundamental del filme, ya que es el único medio mediante el cual los protagonistas pueden entender la compleja situación en la que se encuentran. Cube es una mezcla de ciencia ficción y terror; irradia un concepto original y desconcertante dentro del cual lo más destacado es aquello que se puede interpretar entre los fotogramas [“aquello que se lee entre líneas”].

El universo es comparado con un cubo infinito, inmutable y al mismo tiempo devastador, provocando que los seres humano nos convirtamos en entes insignificantes. La supervivencia dentro del cubo requiere un dominio de los números y de la lógica, un control ideal de las emociones y de los sentimientos, y una intuición sobrenatural. A lo largo de filme, se va construyendo una sensación de claustrofobia, dando la impresión de que el oxígeno se va terminando a medida que mueren los segundos.

En Cube no es relevante ni el cómo ni el porqué, sino el qué [ocurre]; una descripción del comportamiento humano en una situación extrema donde los personajes representan prototipos que se pueden identificar en las sociedades contemporáneas. Un enfoque un tanto pesimista donde el que sobrevive no es el más perspicaz o el más valiente, sino el que se encuentra en el lugar y momento adecuado; seis seres que se convierten en ratas de laboratorio y su vida [o muerte] depende de una serie de claves matemáticas.

Un mundo con aspecto minimalista que induce a un contexto de constante amenaza; personas que buscan una salida sin saber a ciencia cierta si algún día la encontrarán: su destino es tan indescifrable como inesperado…

El expresionismo en el cine...

2007-12-04T19:16:00.000-08:00

Expresionismo alemán

Un cine que recurre a mundos oníricos y terroríficos; un ambiente de posguerra (1918, Primera Guerra Mundial) que incita al pueblo alemán a expresar su frustración. El expresionismo juega con sombras y luces, ofreciendo información subliminal. La narración posee las teorías del psicoanálisis; exhibiendo los miedos del pueblo alemán.

Se tratan historias trágicas y duras; escenarios oscuros e irreales con formas espectrales. Otra característica a recalcar será el maquillaje de los actores, y su interpretación (un tanto exagerada). Para el cine expresionista los recursos estéticos son más importantes que las temáticas que le dan una identidad.

El gabinete del doctor Caligari (Das Kabinett des Dr. Caligari) [en 1920]

Director: Robert Wiene

En una feria, el Dr. Caligari tiene una atracción cuyo principal protagonista es Césare, un sonámbulo, quien adivina el futuro de cualquiera que se lo pregunte. Dos amigos se acercan a la atracción y uno de ellos le pregunta a Césare cuánto va a vivir. Césare le responde que hasta el día siguiente [y así sucede].

Corre, Lola, corre (Lola rennt) [en 1999]
Director: Tom Tykwer
Una mujer corre desesperadamente en búsqueda dinero para a su novio de la muerte.

El Experimento (Das experiment) [en el 2001]
Director: Oliver Hirschbiegel

Una película de emoción y venganza en una “prisión simulada”. Todo comenzó a favor de la ciencia: 20 hombres, 2 semanas, 2000 dólares.

Unos investigadores desean estudiar el comportamiento agresivo en un ambiente carcelario simulado. Se encierra a los prisioneros y se les ordena que sigan las órdenes; los guardias deben mantener el orden. Pero dar a un hombre un poco de poder puede tener consecuencias insospechadas...

La Princesa y el Guerrero (Der Krieger und die Kaiserin) [en el 2000]

Director: Tom Tykwer
La película alemana narra la historia de una enfermera que decide encontrar al hombre que le salva la vida. Dos personajes con ideologías y deseos distintos; un amor poco habitual; un enfrentamiento entre dos seres aparentemente opuestos; la historia de una mujer que cree en el la eventualidad y en el destino. Sissi es atropellada por un camión; Bodo, un ex-militar, le salva la vida haciéndole una traqueotomía improvisada utilizando un popote de plástico y una navaja. El argumento de la película es esta mujer que decide encontrar a su guerrero para asegurarse de que él no llegó a su vida por simple casualidad.

Irreversible (Irréversible) [en el 2002]
Director: Gaspar Noé

El argumento es simple y directo, un despertar vengativo, rudo y violento, donde un hombre impetuoso e impulsivo hará cualquier cosa con tal de satisfacer su necesidad de venganza. Irréversible logra despertar un interés especial; se presenta la teoría del director donde cada personaje tiene una función simbólica: la venganza, la lealtad, la belleza y la crueldad.

La Pianista (La pianiste) [en el 2001]
Director: Michael Haneke
Una profesora de piano que vive con su madre oculta una doble personalidad de macabra vertiente sexual.

"Los Olvidados" de Buñuel

2007-12-04T17:22:00.000-08:00

Los Olvidados es una película mexicana de 1950 dirigida por Luis Buñuel (cineasta español naturalizado mexicano) que narra la historia de unos niños que viven en un barrio marginal en la Ciudad de México. La película comienza con imágenes de Londres, París y Nueva York exponiendo las tragedias que son originadas por la pobreza en aquella época. Es una historia reflexiva cuyo propósito es estrictamente social, creando un contexto [manipulado por el inconsciente] cuyos contenidos son la orfandad, la escasez, la violencia, el analfabetismo y hasta la muerte. Esta cinta realista nos presenta personajes miserables que día a día luchan por sobrevivir en las zonas más desalmadas de la Ciudad de México; lugares donde los jóvenes asaltan a un pobre hombre ciego o maltratan a un minusválido, o inclusive una madre que le niega el alimento a su propio hijo: todos son semblantes de una sociedad que se presenta con los rasgos surrealistas propios del director Buñuel.

Luis Buñuel Portolés nació en Aragón (España) en 1900 y murió en la Ciudad de México en 1983; fue un laureado director de cine y la mayoría de su obra se efectuó en Francia y en México. Comenzó su carrera como guionista y asistente de dirección; finalmente dirigiría [junto a Salvador Dalí] el corto experimental Un chien andalou (Un perro andaluz, 1929), el cual daba inicio a su característico estilo surrealista. Dirigió 32 películas entre 1929 y 1977, su primer película en México fue Gran Casino (1947); su filmografía incluye: Âge d'or, L' (1930), Las Hurdes (1933), El Gran Calavera (1949), Susana (1951), Subida al cielo (1952), Él (1953), Ensayo de un crimen (1955) que trata sobre la vida criminal de Archibaldo de la Cruz, Los ambiciosos (1959), Viridiana (1961), El ángel exterminador (1962), Belle de jour (1967), Tristana (1970) y Ese oscuro objeto del deseo (1977) que sería su último filme . Las películas de Buñuel se identifican por un surrealismo plasmado de iconografías irracionales y absurdas; desaparece la noción del espacio y en ocasiones del tiempo; asimismo, existe un humor insolente que proyecta el desconcierto [de Buñuel] frente a las estructuras sociales.

La pandilla de Los Olvidados tiene como líder a El Jaibo (interpretado por Roberto Cobo), un joven delincuente y pendenciero que se escapa de una correccional; en cambio, el personaje de Pedro (interpretado por Alfonso Mejía) es retratado como uno de los más bondadosos de esta banda callejera. Una película que exhibe una sociedad muy fragmentada, llena de desigualdades e injusticias; los jóvenes cometen actos atroces y reprochables en un México que se desenvuelve delimitadamente y sin pedagogía. El Jaibo y Pedro conforman una dualidad de personalidades que son remolcadas por diversas condiciones de violencia y crimen que únicamente estimulan el sufrimiento emocional; y a pesar de que al comienzo estos personajes son exteriorizados como figuras análogas, el transcurso de la historia nos presenta una disparidad y un antagonismo entre uno y otro.

Un punto de quiebre esencial se presenta cuando El Jaibo [en presencia de Pedro] mata a Julián, quien es el presunto responsable de su detención; un suceso que simboliza un fiasco social, una nación envuelta en intereses y ciega ante los carentes. Buñuel presenta una crítica en contra de las injusticias; una escena representativa de este hecho despliega a Pedro arrojando un huevo contra la cámara, un lanzamiento cuyo verdadero objetivo es la sociedad, la nación, el mundo entero. El director plasma un México de 1950 colmado de hostilidades, ilegalidades y olvidos; esta ceguera e hipocresía del gobierno se simboliza en el personaje de Don Carmelo (interpretado por Miguel Inclán), un anciano y ciego que desea que todos los indigentes “sean asesinados antes de nacer”.

Una película mexicana dirigida por un español naturalizado mexicano; el guión sórdido que analiza a una sociedad en decadencia [basado en hechos reales] fue escrito por Luis Buñuel, Luis Alcoriza, Max Aub, Juan Larrea y Pedro de Urdimalas; la película se filmó en los suburbios de la Ciudad de México. La música [de Rodolfo Halffter y de Gustavo Pittaluga] genera un sentido de desasosiego y tormento, una banda sonora meticulosa capaz de generar una variada gama de sentimientos en el público. Esta co-producción mexicana [tomando en consideración la nacionalidad de Luis Buñuel] ha sido nombrada Patrimonio de la Humanidad por la UNESCO.

Gabriel Figueroa es el hombre encargado de la fotografía que se presenta en blanco y negro; destacados contrastes de luz y una diversidad de tonalidades que constituyen un México desdichado y empobrecido. La creatividad de Buñuel y la destreza de Figueroa se combinan para crear una de las secuencias más surrealistas del filme: una alucinación de Pedro que se presenta mediante un sueño simbólico formado de claroscuros, sombras y luces, un sonido aterrador y un ambiente sombrío. La cámara de Figueroa es capaz de reflejar [en el filme] una realidad miserable, un México en decadencia; un mundo donde incluso las gallinas se convierten en elementos surrealistas.

El erotismo es otro elemento que se despliega en el filme; escenas que conforman una realidad oscura e inclemente, donde la fotografía recrea esa predisposición de los vicios carnales de una clase social sin recatos; circunstancias que provocan que la inocencia se pierda a temprana edad: las miradas insinuantes de El Jaibo hacia la madre de Pedro y la leche vertiéndose sensualmente a lo largo de las piernas de una joven.

Un desenlace dramático en el que la tragedia termina por conquistar a los protagonistas que se encuentran oscilando entre la vida y la muerte; la sociedad que termina por destruirse a sí misma, sin compasión ni prejuicios, sin clemencia ni misericordia. Los problemas característicos de una sociedad desventurada que se esconde detrás de una nube de terror y miseria.

Olvidados en una sociedad sin escrúpulos; en una sociedad donde la desigualdad es imperiosa; en una sociedad donde los indigentes no tienen voz; en una sociedad donde las tragedias son elementos de la vida diaria; en una sociedad donde el surrealismo se convierte en realidad; en una sociedad donde el tiempo no pasa y los minutos mueren lentamente; en una sociedad donde los valores humanos no existen; en una sociedad donde las personas se han convertido en bestias.

“La ciencia no me interesa. Ignora el sueño, el azar, la risa, el sentimiento y la contradicción, cosas que me son preciosas.”

-Luis Buñuel

Surrealismo en el cine...

2007-12-04T16:52:00.000-08:00

Este movimiento artístico se caracterizó por la “deformación” o acentuación de la realidad para expresar (poner en evidencia) determinados valores. Los sueños, las alucinaciones, el inconsciente, la fantasía, el azar y la espontaneidad son elementos esenciales en el cine surrealista.

Un cine que proviene de las artes plásticas y de la poesía; es utilizado para escandalizar y descomponer a las sórdidas sociedades burguesas. Entre las características del cine surrealista se encuentran: cámaras lentas, absurdas uniones entre secuencias y planos (cinematográficos), tiempos y espacios confusos, erotismo lírico, fantasía onírica, el automatismo y el humor desvergonzado y cruel.

Ejemplos:

El Hundimiento de la Cada Usher (La Chute de la Maison Usher) [en 1928]
Director: Jean Epstein
Usher está pintando un retrato de su esposa; pero al mismo tiempo que transmite la esencia vital al lienzo, la mujer va desfalleciendo. Cuando muere, es enterrada en la cripta familiar, pero Usher no cree en verdad en la condición mortal de su amada.

La Sangre de un Poeta (Le Sang d'un poète) [en 1929]
Director: Jean Cocteau
Ópera prima de Jean Cocteau, una película surrealista que retrata la incursión en los miedos y obsesiones de un poeta, su relación con el entorno y la constante ansiedad por el tema de la muerte.

La Edad de Oro ("L'Âge d'or") [en 1930]
Director: Luis Buñuel
Una película surrealista que trata sobre la insubordinación de dos amantes que se niegan a que su amor sea destruido debido a los prejuicios y preceptos sociales y morales. Una manera de entender las relaciones humanas; la necesidad de ser coherente con los principios morales sin importar los cánones de comportamientos convencionales. Es surrealista tanto en las impactantes escenas como en el contenido (en el fondo); una historia de amor que pretende romper barreras, romper límites [cuestionándose normas morales y sociales].

El Ángel Exterminador [en 1962]
Director: Luis Buñuel
Al finalizar una cena en la mansión de los Nóbile, un grupo de burgueses descubre que una razón enigmática les impide salir del lugar. Al transcurrir los días, la cortesía inicial de los invitados se transforma en el más primitivo instinto por la supervivencia.

La Fuente de la Vida (The Fountain) [en el 2006]
Director Darren Aronofsk
Un hombre del presente realizará dos viajes, uno al pasado [en 1500] y otro al futuro [al año 2500]. Desde la España del siglo XVI hasta el profundo espacio del futuro siglo XXVI, el protagonista de esta película intentará encontrar el árbol de la vida, la entidad legendaria que otorga la vida eterna a aquellos que beben su savia, para intentar salvar la vida de su esposa enferma de cáncer.

Donnie Darko [en el 2001]
Director: Richard Kelly

Donnie Darko relata la historia de un adolescente que, tras haber escapado a la muerte, tiene visiones sobre un extraño conejo gigante llamado Frank [el cual predice que el mundo llegará a su fin].

Carretera Perdida (Lost Highway) [en 1997]
Director: David Lynch

Fred Madison (un músico de Jazz) recibe una serie de misteriosas cintas de video, en las que aparece con su mujer Renée dentro de su propia casa. En la última de ellas [que Fred ve a solas] él está junto a su esposa muerta. Renée ha sido asesinada y la justicia va a culpar a Fred del crimen, condenándole a muerte.

El Lado Oscuro del Corazón [en 1992]
Director: Eliseo Subiela
Oliverio, un poeta bohemio, recorre Buenos Aires con sus amigos, acosado por la muerte, buscando a una mujer capaz de "volar". En el transcurso de la película, la poesía se ve intrometida en los lugares más espesos de la cotidianeidad artística-argentina.

1408 [en el 2007]
Director: Mikael Hafstrom

Un novelista de terror que sólo cree en aquello que ven sus ojos. Tras dedicarse a desacreditar fenómenos paranormales ocurridos en supuestas casas fantasmas, él no tiene prueba alguna de la existencia de vida más allá de la muerte. Sin embargo, todo cambiará cuando entre en la habitación 1408 del Hotel Dolphin.

Tiburón y la publicidad...

2007-11-09T10:33:00.000-08:00

TERROR EN LA PANTALLA

La película estadounidense de Steven Spielberg, Jaws (Tiburón), narra la historia de un pequeño pueblo turístico que se cubre de pánico debido a los ataques de un tiburón blanco; un filme basado en el best-seller de Peter Benchle “Jaws”. Un policía local, un ictiólogo y un veterano marino serán los encargados de eliminar al terrible pez; una intensidad que se mantiene a lo largo de la película y que adquiere su punto prominente en las secuencias de persecución del tiburón.

Steven Spielberg, el director de Jaws, nació en Cincinnatti (Estados Unidos); después de dirigir varios programas de televisión, realizó una película [para televisión] llamada Duel (El diablo sobre ruedas) en 1971. Su entrada a la industria del séptimo arte se vio marcada por su primer largometraje The Sugarland Express (Loca Evasión) en 1974. Jaws (Tiburón, 1975) fue el filme que le procuraría fama internacional; un rodaje problemático que no parecía augurar el éxito taquillero de la cinta. Su filmografía posterior a Jaws incluye Close Encounters of the Third Kind (1977), E.T.: The Extra-Terrestrial, (1982), The Color Purple (1985) y Hook (1991). También fue director de los filmes del profesor y arqueólogo Indiana Jones, Raiders of the Lost Ark (1981), Indiana Jones and the Temple of Doom (1984) e Indiana Jones and the Last Crusade (1989). Otro éxito taquillero fue Jurassic Park (1993), una película de ciencia-ficción que tendría una secuela The Lost World: Jurassic Park (1997); Spielberg participaría como productor ejecutivo en la tercera parte de la saga Jurassic Park III (2001). La película basada en experiencias del Holocausto Schindler's List (1993) fue filmada en blanco y negro [excepto una imagen a color]; este filme le procuró el Oscar a Mejor Director y a Mejor Película. Obtendría su segundo Oscar como Mejor Director con la película Saving Private Ryan (1998). Entre sus más recientes proyectos se encuentran Minority Report (2002), Catch Me If You Can (2002), The Terminal (2004), War of the Worlds (2005) y Munich (2005). Asimismo, Spielberg es uno de los productores más poderosos de la industria cinematográfica [fundador de la productora DreamWorks].

Un inicio turbulento; misteriosos ataques acuáticos que dan iniciación a una historia de terror en una ciudad llamada Amity. El jefe de policía (Brody, interpretado por Roy Scheider), un ictiólogo (Matt Hooper, interpretado por Richard Dreyfuss), y un marino experto en tiburones (Quint, interpretado por Robert Shaw) conforman la tripleta de personajes que llevarán a cabo la enigmática búsqueda del tiburón; personajes que se involucran con fobias [Brody le tiene fobia al agua], aventuras y muertes. Hombres ordinarios que se enfrentan a situaciones extraordinarias: desafíos épicos y dientes mortales. Los elementos de la película están vinculados entre sí, nada es trabajo del azar, es decir, las acciones de unos [personajes] conciernan a otros. El inicio del filme nos presenta un pueblo cuyos habitantes tienen intereses, incitaciones y miedo a todo aquello que pone en peligro su vida; una manifestación de los límites del hombre ante las fatalidades y los peligros.

El montaje (Verna Fields) y la producción (David Brown y Richard D. Zanuck) fueron imprescindibles para el éxito del filme [el tiburón mecánico fue diseñado por Joe Alves] ; el tema musical de la película también se volvió mundialmente conocido. Compuesta por John Williams , la melodía pareciera que invocara a la naturaleza y a la furia del océano; Williams ganó el Oscar en la categoría de Mejor Música Original. El filme también ganó el Oscar a Mejor Banda Sonora y a Mejor Edición (Verna Fields). La fotografía (Bill Butler) genera un sentimiento de nerviosidad y suspenso con imágenes que vinculan el terror con el contexto del agua más que con el tiburón en sí [la música notifica la presencia de un animal temible]; una fusión entre el mundo terrestre y el acuático, donde se presenta una variedad de tonalidades azules. La filmación estuvo invadida por contratiempos y errores con las máquinas que componían al animal acuático; sin embargo, Spielberg logró generar un pánico [en los espectadores] que fue ocasionado por el recóndito tiburón, el cual, aunque no aparece mucho en el filme, se convierte en el centro de conversación de los personajes. El guión es simple pero plenamente efectivo, acertando en el hecho de que el tiburón se presenta una hora después de iniciado el filme; demostrándonos que el ser humano le teme a lo que no conoce, a lo que no puede observar.

La cámara enfoca desde arriba y el tiburón se desplaza por debajo de un barco… Steven Spielberg creó la película más taquillera de 1975, basada en un evento real ocurrido en 1916 en Nueva Jersey; y a pesar de que algunas escenas del tiburón mecánico son algo inverosímiles, ninguna de las secuelas posteriores ha podido alcanzar el éxito de esta cinta. La película contiene escenas explícitas y duras, como la sangrienta muerte de un niño. Para compensar la ausencia del pez mecánico [el cual no funcionaba], Spielberg utilizó tomas desde el punto de vista del tiburón, las cuales, acopladas a la música de Williams, hacen alusión a un animal mortífero.

Jaws dio comienzo a los blockbusters; y un factor fundamental para que esto sucediera fue la campaña publicitaria [televisiva] que se llevó a cabo en torno al filme. La película tuvo la capacidad de crear un conjunto de costumbres sociales [principalmente en Estados Unidos], donde se exterioriza un proceso de innovación en la producción de medios y ciencias aplicadas. Jaws es un fenómeno mediático muy influyente, creó opiniones, generó temores y, en muchos casos, modificó comportamientos. Un ejemplo de lo anterior sería el hecho de que “The New York Times” reportó que la gente que iba a nadar al mar en aquella época se agrupaba a una corta distancia de la costa ya que temían ser atacados por tiburones.

Jaws es la primer película en tener una publicidad masiva y provocadora; esta costosa publicidad televisiva generó curiosidad y expectativa [sobretodo en la población estadounidense], lo cual se convirtió en un factor esencial para que Jaws se consolidara como la primera película en recaudar más de 100 millones de dólares en taquilla. El filme se había convertido en algo más que una simple película, era un nuevo concepto de publicidad que brindó bases para la aparición de futuros blockbusters, incluso, varios fanáticos provenientes de diversas partes del mundo visitaron los estudios de filmación en las pequeñas islas en la costas de Massachussets.

La carrera de Steven Spielberg comenzó con Jaws; un director experto e ingenioso que mezcla perfectamente el horror con la comedia; él logra obtener los mejores funcionamientos de su actores; además, su pasión por los efectos especiales nunca ha afectado ni a la historia ni a los personajes de sus películas.

Jaws es el inicio de la industria de cine contemporáneo; es la película que inició las grandes campañas de publicidad televisiva, además, es considerada como el primer éxito de verano del séptimo arte [la música de la cinta se convirtió en un leit motiv de los instantes de suspenso]. Este fenómeno mediático se convirtió en el inicio de la era de la mega publicidad en la industria cinematográfica. Fue la inspiración para el atractivo turístico [una pequeña recreación de Amity] en el parque de diversiones de Universal Studios. Nunca existirá otra película que tenga el mismo impacto que Jaws.

Mi "Yo Protéico" y nuestra cibercultura...

2007-11-07T13:02:00.001-08:00

“Protéico” es un término que proviene del dios griego Proteo [descrito por Homero como ‘anciano hombre del mar’]. Esta deidad se caracterizaba por predecir el futuro, sin embargo, constantemente sufría metamorfosis para evadir a las personas [o culturas] que pretendían pedir su ayuda. En “La era del acceso” de Jeremy Rifkin, el ‘yo protéico’ [ser protéico] hace alusión al cambio de opiniones y actitudes del ser humano como tal. Un ‘yo proteico’ simbolizado en seres que se transforman y se adaptan a los diversos entornos. La tecnología [cibercultura para mayor exactitud] permite una adaptación más vertiginosa y rápida; una comunidad global dentro de la cual se puede intercambiar información en cuestión de segundos. Cada individuo tiene su ‘yo protéico’ que le da la capacidad de adecuarse a un mundo en constante mutación; el problema surge cuando nos convertimos en entidades dependientes de la tecnología [Internet como herramienta de información] que encuentra en constante progreso.

Constante movimiento... historia de Internet

Rifkin afirma que somos ‘una generación de humanos protéicos’ que opta por los sentimientos y emociones, restando importancia a la razón; además, la palabra ha sido opacada por la imagen [lo visual]. Mayor espontaneidad e ingenuidad, menor abstracción y reflexión; el ser humanos se está convirtiendo en una raza cada vez con mayores intereses y mayor necesidad de “tener más”. Los seres humanos [al igual que Proteo] nos encontramos en un estado de constante metamorfosis; una evolución que forma parte de nuestra historia [esto se refleja en las corrientes artísticas] en donde el hombre pretende satisfacer todas sus necesidades [tanto físicas como intelectuales], las cuales también varían en este proceso natural de transformación. Este virus de información masiva que nos ataca día con día genera una red de comunicación interpersonal mediante un espacio perpetuo conocido como cibercultura.

La tecnología y la adaptación al entorno...

La cultura de Jeremy Rifkin... (en inglés)

Información más accesible...

Comercial... El Yak

2007-11-06T21:36:00.000-08:00

Yo escribí el guión de este comercial y también lo edité...

Librerías Gandhi

2007-11-06T21:35:00.005-08:00

Las Librerías Gandhi fomentan la lectura; su publicidad se basa en frases y expresiones relacionadas con el hecho de que los mexicanos casi no leen. La librería también pretende combatir el analfabetismo funcional [millones de personas en México saben leer pero no comprenden lo que leen].

Esta publicidad promueve la venta principalmente de libros [aunque también vende música y videos]. Sin lugar a duda, Librerías Gandhi pretende que los ciudadanos en México compren más libros, por lo tanto, que lean más. La técnica que se utiliza es hacer énfasis en el hecho de que en México el promedio de lectura anual (libros) de los habitantes es muy bajo. Nuestro país se encuentra en una crisis de lectura, y Gandhi pretende concienciarnos sobre este grave problema; apela a los sentimientos humanos. Es una publicidad aparentemente sencilla, pero con un mensaje social monumental que nos pone a repasar la situación cultural de México y nos ayuda a tomar una decisión. Una campaña identificada por el color amarillo que utiliza el humor y la ironía para convertir a Gandhi en una de las librerías más grandes de México. Definitivamente, el método utilizado por Gandhi me lleva a tomar la decisión de comprar libros ahí, incrementando mi promedio de lectura.

Patos en lenta temporada...

2007-11-06T21:35:00.003-08:00

“Temporada de Patos” (2004), del director y guionista Fernando Eimbcke, es una película mexicana que narra la historia de dos adolescentes que se localizan en un departamento en Tlatelolco (Ciudad de México); ellos se preparan para pasar un domingo sin adultos, con videojuegos, comida chatarra y refrescos. Sin embargo, sus planes cambian de manera radical cuando se corta la energía eléctrica; conjuntamente, aparecen una curiosa vecina y un peculiar repartidor de pizzas. La idea del filme es dejar que el tiempo transcurra; los personajes conversan sobre nada mientras van descubriendo el valor de la amistad, del amor e incluso de la soledad. Eimbcke nos expone un filme en blanco y negro cuyo relato acontece en un sólo día; la cotidianidad se contrasta con la ingenuidad de los protagonistas que se oponen a los habitualismos y a los modelos sociales. El título de la cinta “Temporada de Patos” hace referencia a un cuadro de la sala del departamento donde se exponen unos patos volando sobre un lago.

Fernando Eimbcke nació en México en 1970; “Temporada de Patos”, es su ópera prima. Anteriormente había escrito y dirigido diversos cortometrajes: Disculpe las molestias (1994), ¿Perdón? (1995), No todo es permanente (1995), La suerte de la fea... a la bonita no le importa (2002). Realizó estudios en el Centro Universitario de Estudios Cinematográficos (UNAM) e inició su carrera realizando video clips premiados para grupos de música alternativa como Plastilina Mosh y Molotov.

El guión de la película [escrito por Fernando Eimbcke y Paula Markovitch] es lento, provocando que el espectador sienta lo mismo que los protagonistas: ocio e inquietud. La fotografía [Alexis Zabé] en blanco y negro le da un sentido de soledad e incomunicación a la historia. La música de Alejandro Rosso y el diseño de producción de Diana Quiroz son una dualidad de elementos que se combinan para crear un filme claro y sencillo compuesto de tomas delusorias.
Cuatro personajes que interactúan mientras exploran cuestiones como la juventud, la vida adulta y el cariño. Moko (Diego Cataño) y Flama (Daniel Miranda) son mejores amigos y tienen planeado un domingo perfecto; pero son interrumpidos por Rita (Danny Perea), la joven vecina que pide prestado el horno para cocinar un pastel; conjuntamente, aparece un repartidor de pizzas, Ulises (Enrique Arreola), que discute con los jóvenes por el tiempo de entrega. Los personajes forjarán relaciones interpersonales mediante la expresión de sus problemas íntimos: Moko y sus interrogantes sobre el amor, Flama y el divorcio de sus padres, Rita y su insociabilidad, Ulises y sus infortunios.

El apagón eléctrico funciona como vuelco narrativo en el filme donde se pretende interpretar la vulgaridad cotidiana de una historia donde las acciones de los personajes están prescritas por lapsos precisos: Ulises llega con la pizza exactamente 11 segundos tarde y la vecina espera 15 minutos para que se hornee un pastel. Una cinta donde cada segundo cuenta, donde los personajes se aburren mientras pasan los segundos; Eimbcke hace una exploración del tiempo que elimina la diferencia entre lo habitual y lo extraordinario: un tono soñoliento que se establece al inicio del filme cuando un par de vasos se comienzan a llenar lentamente con Coca-Cola.

Un cine pausado, con escenarios sencillos y situaciones sin vicios excesivos [existe una secuencia que involucra marihuana y alucinaciones]; un joven que cuestiona la paternidad biológica de sus padres, su amigo que vive experiencias amorosas, un repartidor que adora a los animales, y una vecina fascinada con las insignificancias y convencida de que su futuro depende de un paquete de Frescas (dulces con chocolate); componentes de una tarde cualquiera donde se vinculan las vidas de cuatro seres que, metaforizándose con la imagen de unos patos volando en forma de “v”, se revuelven en cuestiones de apego y alejamiento. El filme se contextualiza con un México donde la gente actúa en base a mecanismos predispuestos, un país donde realmente no pasa nada relevante, donde la multitud se mueve por inercia, donde la reflexión de los individuos se basa en impertinencias y ridiculeces; Temporada de Patos hace una simbología del estancamiento e inmovilización en el que se encuentra nuestra sociedad. La tecnología (representada en una X-Box) edifica una barrera de incomunicación con las personas que nos rodean.

Esta cinta fue premiada en la XIX Muestra de Cine Mexicano e Iberoamericano de Guadalajara y participó en la Semana Internacional de la Crítica del Festival de Cannes; también ganó 11 Arieles. Una sencilla comedia que pretende representar a la sociedad [principalmente adolescente] que existe en la Ciudad de México.

(Televisión) Scrubs: Surrealismo y Sarcasmo

2007-10-15T08:23:00.000-07:00

Un sitcom [de comedia] de televisión creado por Bill Lawrence en el 2001 y transmitido por la Cadena NBC [en Latinoamérica es transmitido por SONY] que narra la vida [surrealista] profesional y personal de varios personajes que trabajan en el hospital “Sacred Heart”, un hospital de aprendizaje. Escrupulosos actores, diálogos rápidos y escenas surrealistas componen la estructura del programa; la temática está constituida por diversas historias que se unen mediante la narración del protagonista Dr. John "J.D." Dorian.

La esencia del programa depende de las secuencias de fantasías y de las tramas sentimentales. A pesar de los elementos que se pudieran considerar surrealistas y repugnantes, los personajes van creciendo y aprendiendo mientras hacen frente a las durezas de la vida y de la muerte.

Los personajes principales incluyen a John "J.D." Dorian (el protagonista y narrador), a Chris Turk (un cirujano competitivo), y a Elliot Reid (una extravagante doctora).

Al final de cada episodio, J.D. resume la moraleja [del capítulo] mediante una secuencia de imágenes donde aparecen los diferentes personajes. Este programa de televisión ha sido parte importante de mi vida; ha generado [en mí] un gusto por el surrealismo y el sarcasmo. Me parece fascinante la creatividad y el humor que se maneja en cada uno de los episodios; sin lugar a duda, una de mis series favoritas.

(Televisión) South Park: Crítica a la Sociedad

2007-10-15T07:28:00.000-07:00

Introducción...

South Park es un sitcom animado dirigido a la audiencia adulta; su esencia se basa en una rígida crítica a la sociedad. Los personajes principales son cuatro niños de ocho años [primera temporada]: Stan Marsh, Eric Cartman, Kyle Broflovski y Kenny McCormick, los cuales asisten a una escuela en el pueblo montañoso de South Park (Colorado).

La sátira es un recurso muy utilizado en este programa; a South Park no le preocupa ofender a su público [varias groserías y obscenidades son pronunciadas en cada capítulo], incluso puede ser utilizado como una herramienta política. Es una serie que trata una gran variedad de temas: la pobreza, los derechos de los homosexuales, la guerra, la violencia, el aborto, la tolerancia, en fin, es un sitcom que genera diversas opiniones: unos pensarán que es el programas más obsceno y degradante de la televisión, pero otros lo percibiremos como una dura crítica a los problemas sociales contemporáneos.

Este programa es parte importante de mi vida porque fue mi “iniciación” en la televisión para adultos; es un programa que, a pesar de su impudor, ha sido capaz de generar en mí una opinión sobre diversos temas socio-culturales.

Palabrotas...

Mi Publicidad...

2007-10-13T20:23:00.000-07:00

Realicé este pequeño video para tratar de concienciar a la gente sobre el problema de la DEFORESTACIÓN y lo importante que es RECICLAR.

Éstas son mis propias ideas y mi pequeña creación…

Dos Países... Dos Estaciones... Dos Estilos

2007-10-13T11:40:00.000-07:00

Durante la última semana, estuve escuchando dos estaciones... Alfa Radio [“¡Hit Music Station, Sé Joven, Sé Moderno, Sé Alfa Radio!”] y Radio 1 son estaciones de radio que emiten música para un público que abarca edades desde los 15 hasta los 30 años. Música en inglés, entrevistas con celebridades y boletines informativos son secciones que forman parte de la estructura de dichas estaciones.

Radio 1 es una estación de radio británica [operada por la BBC], especializada en música y discusiones populares y de interés social. La estación comenzó el 30 de septiembre de 1967 a las 7 de la mañana, esto como respuesta directa a la popularidad de las transmisiones ilegales que habían sido prohibidas por el Parlamento . Radio 1 tiene una variada mezcla musical que incluye rock, pop, electrónica [house], alternativa [independiente] y drum’n’bass.

Asimismo, Alfa Radio (91.3) sale al aire el 12 de julio de 1986 como una estación que transmite exclusivamente música en inglés; desde 1996 ha sido operada por el Grupo Radio Centro . Emite principalmente música pop, metal, R&B, punk rock y hip hop.

Entre los locutores de Alfa Radio se encuentra Idzi Dutkiewicz, quien se puede escuchar de lunes a sábado de 6 a 10 de la mañana. Daniel Salazar estudió Ciencias de la Comunicación en la Universidad Anáhuac [también estudió hotelería] y se puede escuchar de lunes a sábado de 10 de la mañana a 12 del día. Por su parte, Cynthia De Pando, quien también es comunicóloga, se presenta de lunes a sábado de 12 del día a 4 de la tarde. Christopher Nigel tiene el horario de 4 de la tarde a 8 de la noche [lunes a sábado]. Finalmente, Marianna Santiago se puede escuchar desde las 8 hasta la media noche de lunes a sábado. Daniel Salazar presenta el Alfa Top Ten los sábados de 6 a 7 de la noche. Los cinco locutores cuentan con una carrera universitaria.

Los locutores o DJ’s de Radio 1 incluyen a Rob da Bank [lunes 00:00 a 2:00 a.m.] quien presenta música techno, ambiental y acústica; Fearne y Reggie se encuentran sábados y domingos de 7 a 10 de la mañana, ellos son los encargados de presentar la música pop y comentan sobre el mundo del entretenimiento y del espectáculo; Jo Whiley [lunes de 10 a.m. a 12:45 p.m. y viernes de 9:00 p.m. a 10:00 p.m.] también se encarga da la cultura pop y en su programa se entrevistan cantantes que interpretan el sencillo que estén promocionando en ese momento.

Siguiendo con la misma idea, Westwood [martes de 9:00 p.m. a 10 p.m y sábados de 9:00 p.m. a 00:00 a.m.] es el encargado de las presentaciones de hip hop; Colin Murray [martes y jueves de 10:00 p.m. a 00:00 a.m.] se encarga del rock, rap, hip hop, la música alternativa y bailable; Daniel P. Carter [martes de 00:00 a.m. a 2:00 a.m.] presenta metal y rock; Huw Stephens [jueves de 00:00 a.m. a 2:00 a.m.] exhibe novedades musicales y música que aún no se torna popular; Pilles Peterson [jueves 2:00 a.m. a 4:00 a.m] se encarga del soul, jazz, funk, house y hip hop. Algunos como Colin Murray empezaron su carrera siendo reporteros de noticias; otros eran locutores en otras estaciones; algunos eran DJ’s en diversos clubs; en corto, todos son personas con algún tipo de experiencia en el medio,

Los locutores de Radio 1 tienen una voz fina y elegante [la mayoría con el típico acento inglés]; los de Alfa Radio utilizan un lenguaje coloquial, manejando expresiones populares y en ocasiones lo que pudiera considerarse vulgar. La pronunciación de Radio 1 es mucho más clara y articulada; tienden a ser más serios que los locutores de Alfa Radio, además, la voz de los presentadores de la estación británica tiene un tono considerablemente grave. Sin embargo, existen ciertos locutores de Radio 1 que gustan de reírse [JK & Joel] y que no tienen una voz tan monótona como la de algunos otros locutores de dicha estación. Los locutores de Alfa Radio se ríen con frecuencia y gustan de bromear con el público que realiza llamadas a la cabina; por lo general, las transmisiones de Alfa Radio son menos serias que las de la estación británica [en la mayoría de los casos, aunque no se puede generalizar, ya que JK & Joel son bastante entusiastas]. Alfa Radio tiene cinco locutores que conjuntamente trabajan durante 18 horas al día, seis días a la semana. En cambio, en Radio 1 y su gran cantidad de locutores ocupan prácticamente las 24 horas del día, siete días a la semana.

Radio 1 emite boletines informativos a diferentes horas del día [compromiso con el servicio social]; se incluyen síntesis de los titulares diarios cada hora y media aproximadamente; las noticias incluyen temas de interés general y deportes. Alfa Radio también presenta boletines informativos y el reporte del tráfico vial. Edith Bowman de la Radio 1 tiene un programa interactivo donde se habla sobre películas y se realizan algunas entrevistas. Por otra parte, Scout Mills, también de la cadena inglesa, realiza llamadas en directo [bromas telefónicas] en el horarios de 4 a 7 de la tarde [tiempo durante el cual la gente regresa a su casa después de trabajar]. Entre 4 y 7 de la mañana JK & Joel [Radio 1] realizan llamadas en directo y se presentan noticias; así mismo, de 4 a 7 de la tarde en los domingos, ellos presentan el Top 40 de los sencillos más escuchados en el Reino Unido y tienen una sección retro en la cual se pueden escuchar éxitos de algún año. También existe un programa llamado The Radio 1 Surgery en el cual se tratan tópicos que conciernan y preocupan a los jóvenes, igualmente se proporcionan consejos para los problemas de los adolescentes. Los temas más tratados en esta estación son aquellos relacionados con la música; en los boletines informativos se habla sobre política y clima.

En Alfa Radio se hacen diversos concursos vía telefónica, se presentan noticias sobre espectáculos [Alfa Entertainment News], se cuentan historias cómicas y extrañas [Christopher Nigel comentó sobre un video de “aliens” que estaba viendo y que le sorprendió]. Se habla sobre diversos temas de la actualidad, incluyendo cine, moda y acontecimientos diarios de interés público, incluyendo política.

Broma Telefónica, BBC Radio 1

La publicidad en Alfa Radio incluye comerciales del Gobierno, de tiendas deportivas (Martí), mercados (Comercial Mexicana), escuelas de inglés (Interlingua), compañías telefónicas (Telcel), automóviles (Volkswagen), aerolíneas (Interjet) y películas de cartelera, entre otros. Los anuncios tienen una duración aproximada de 20 segundos y están está dirigidos a un público joven. En la estación Radio 1 no hay comerciales publicitarios, en ocasiones los mismos locutores recomiendan películas; lo único que se anuncia son los diversos programas que se transmiten en la estación. Esta semana se cumplen 40 años de la primera transmisión de Radio 1 [septiembre 30] por lo que la radiodifusión está enfocada en comunicar sobre la manera en que la estación va a celebrar su cumpleaños [repitiendo la frase “Radio 1, Established in 1967”]. Esta celebración de Radio 1 contará con la participación de locutores invitados como Sir Paul McCartney.

El Top 10 de Alfa Radio (91.3) incluye a los Backstreet Boys en primer lugar con “Inconsolable”; en segundo lugar se encuentra Britney Spears con “Gimme More”; en tercero está Blaqk Audio con “Stiff Kittens”; en cuarto sitio se encuentra Matchbox con “How Far We’ve Come”; Linkin Park se posiciona en el quinto lugar con “Bleed It Out”; mientras que Rihanna se ubica en la sexta posición con su tema “Umbrella”; en séptimo lugar está Avril Lavigne con “When You’re Gone”; James Blunt en la octava posición con su nuevo sencillo “1973”; Green Day aparece en la novena posición con “The Simpson Theme”; y para cerrar el Top 10 tenemos a The Underdog Project con “Saturday Night”.

Por su parte, Radio 1 (BBC) tiene su Top 20 de los singles más comprados y descargados [legalmente] por Internet [show presentando por JK & Joel] comenzando con Sean Kingston y su tema “Beautiful Girls”; en segundo lugar están 50 Cent, Timberlake y Timbaland con la canción “Ayo Technology”; Plain White T's se coloca en tercera posición con su sencillo “Hey There Delilah”; en cuarto lugar se ubica Kanye West con “Stronger”; James Blunt se encuentra en quinto lugar con su canción “1973”; mientras que Babyshambles se posiciona en sexto con “Delivery”; “She's So Lovely” es el tema que coloca a Scouting For Girls en la séptima posición; la octava posición es para los Foo Fighters y su tema “The Pretender”; en novena posición encontramos a Rihanna con “Shut Up And Drive”; finalmente, en décimo lugar tenemos el tema “The Way I Are” de Timbaland Ft Keri Wilson.

El único tema que se repite en ambas listas es “1973” de James Blunt; Rihanna también aparece en las dos listas pero con temas diferentes: en Alfa Radio con “Umbrella” y en Radio 1 con “Shut Up And Drive”. La mezcla musical de ambas estaciones presenta diferentes géneros y estilos. En Alfa Radio predomina el pop, el rock y el hip hop; en cambio la transmisión de Radio 1 es más variada, incluyendo música irlandesa, escocesa, galesa, entre otras. Las canciones que más se repiten son las que se ubican en el Top Ten, ya que son las que el público quiere escuchar más. El sencillo de James Blunt “1973” es uno de los que más se escucha en Alfa Radio, al igual que “Inconsolable” de Backstreet Boys y “Gimme More” de Britney Spears. En la estación británica también podemos escuchar a James Blunt [recordemos que Blunt es británico], además se escuchan los sencillos “Beautiful Girls” y “Ayo Technology”.

El Triunfo y el Ocaso de un Héroe Deportivo

2007-10-13T11:39:00.001-07:00

"He fallado más de 9000 tiros en mi carrera. He perdido casi 300 juegos. 26 veces han confiado en mí para tomar el tiro que ganaba el juego y lo he fallado. He fallado una y otra y otra vez en mi vida. Y es por eso que he tenido éxito." (Micheal Jordan).

Los mitos son una parte fundamental de las civilizaciones antiguas; historias y valores que eran transmitidos de generación en generación. En la Grecia Antigua, los vencedores de los Juegos Olímpicos adquirían un puesto social similar al de los sacerdotes e incluso semejante al de los dioses. Estos deportistas eran quienes “cargaban” con las emociones, creencias e ilusiones del pueblo.

En la actualidad, cuando los valores espirituales desaparecen, surgen estos “héroes deportivos” que sirven como entrenadores morales, es decir, las sociedades pretenden compensar sus carencias a través de estos ídolos [una sociedad donde la esencia del hombre ha perdido importancia].

Los héroes deportivos se han convertido en la necesidad de pueblos, permitiéndonos entregar nuestra fe a alguien [ídolo del deporte] que nos hace sentirnos más seguros de nosotros mismos.

Estos héroes deportivos son creados en base a méritos deportivos que se globalizan a través de los medios masivos. La política dominante, el poder económico y los medios de comunicación han adquirido un papel fundamental en la fundación de estos héroes deportivos; cuando las sociedades se cansan de un determinado ídolo, la publicidad nos presentará una nueva figura con características sobresalientes.

ORIGEN SOCIO-CULTURAL

Héroe brasileño...

El talento y las capacidades deportivas son utilizadas en varios casos para “salirse” de la monotonía de la vida; los llamados “héroes deportivos” (por lo común) tienen un origen socio-cultural medio [en ocasiones bajo]. Esas vidas cargadas de sueños y de ilusión se convierten en el principal promotor de las capacidades deportivas. Un ejemplo de perseverancia y de esfuerzo es el caso de Edson Arantes do Nascimento, mejor conocido como Pelé. Él salió de la pobreza mediante el fútbol; su entrega y su constante lucha le sirvieron para convertirse en uno de los mejores jugadores de fútbol de la historia [el mejor desde mi punto de vista].

Sin embargo, no todos los héroes deportivos tuvieron que luchar contra esta escasez; existen deportes que requieren una considerable cantidad de dinero para ser practicados [por ejemplo: el automovilismo]. Michael Schumacher, el piloto más glorificado de todos los tiempo, es una figura con origen medio-alto que se considera el ícono de la Fórmula 1 contemporánea.

Tributo al origen de un campeón…

La necesidad de salir de una vida desdichada provoca que los deportistas se llenen de coraje, paciencia y persistencia para desarrollar sus capacidades y poder alcanzar la gloria [por ende, el título de “héroe del deporte].

El origen de los ídolos socio-culturales, como ya mencioné anteriormente, es generalmente de nivel medio, sin embargo existen deportistas de origen bajo y alto [este factor varía dependiendo del deporte que se practique].

LOS VALORES EN EL DEPORTE…

Un ejemplo perfecto de deportividad...

En general, considero que un deportista que se considera ídolo debe proyectar valores tales como la perseverancia, el coraje, el esfuerzo, la honradez y la humildad. Los deportistas se convierten en “modelos a seguir”, ellos establecen las pautas que debemos de perseguir para alcanzar reconocimiento en el ámbito deportivo. Sin embargo, existen deportistas que se cubren de fama y de prepotencia, dejando a un lado los valores y enfocándose en aspectos materiales [el dinero]; deportistas que “se creen superiores a los demás”.

No a la violencia en el deporte...

Algo cómico...

Los verdaderos ídolos deportistas son los que, mediante el deporte, se convierten en un medio para que la sociedad desarrolle valores personales y sociales: integración, superación, honradez, respeto por las leyes, tolerancia, trabajo en equipo, cooperación, responsabilidad, lealtad y autodisciplina. Todos estos valores se convierten en elementos fundamentales para el desarrollo físico, intelectual y social de los deportistas y de los aficionados al deporte.

Uno de los ejemplos más claros de deshonestidad en el deporte se encuentra en disciplinas como el atletismo y el ciclismo; donde los atletas utilizan sustancias prohibidas para tener un mejor desempeño. ¿Y la vergüenza?

Marion Jones... de ídolo a villano

Vergüenza ante su país...

Incluso, algunos atletas se cubren de escándalos después del ocaso de su vida deportiva. Tal es el caso de Diego Armando, uno de los mejores futbolistas de la historia, quien desapareció tempranamente de la práctica profesional de esa disciplina deportiva y se vio marcado por posteriores episodios escandalosos, muchos de ellos, relacionados con el consumo de drogas.

El héroe antes de la oscuridad...

FIN DE UNA VIDA DEPORTIVA...

La vida deportiva es difícil y, por lo general, corta. Los patrones indican que habitualmente los atletas terminan su carrera después su “punto clímax o auge”, es decir, después de sus mejores épocas. Existen muchos caso en los cuales los deportistas “echan a perder su carrera”, ya sea por utilizar sustancias prohibidas (dopaje), por drogas o incluso por realizar actos ilegales y violentos.

Zinedine Zidane (francés), uno de los mejores jugadores del fútbol contemporáneo, terminó su carrera deportiva de manera escandalosa...

Existen casos donde los deportistas se retiran de una determinada disciplina por el factor edad: nuevos y más jóvenes atletas con capacidades y habilidades más desarrolladas invaden los deportes y provocan el retiro de los que en alguna época fueron considerados ídolos.

Pete Sampras y la edad...

También hay casos donde los deportistas deciden retirarse en el apogeo de su carrera, como en el caso de Michael Shumacher…

La duración de la vida deportiva de los atletas depende [obviamente] en la disciplina que practiquen; en el caso del golf, los jugadores pueden jugar durante muchas décadas [incluso hasta los 70 años], pero en el fútbol, los jugadores [usualmente] no tienen más de 35 años.

Jack Nicklaus, uno de los mejores golfistas de la historia, jugó golf [torneos profesionales] incluso después de cumplir los 60 años...

Mi Héroe Deportivo...

2007-10-13T11:38:00.001-07:00

Nombre: Eldrick Woods
Conocido como : Tiger WoodS
Lugar de nacimiento: Cypress (California), ESTADOS UNIDOS
Fecha de nacimiento: 30 de diciembre de 1975
Nacionalidad: Estadounidense

Eldrick "Tiger" Woods nació el 30 de diciembre de 1975 en Cypress, California. Su padre, Earl Woods, es veterano de la guerra de Vietnam y su madre Kutilda es de origen tailandés. Su verdadero nombre es Eldrick, pero fue apodado "Tiger" al nacer en honor a un amigo de Earl de la guerra en Vietman.

Woods era un prodigio que comenzó a jugar al golf a la edad de tres años. Saltó a la fama tras ganar tres U.S. Amateurs seguidos antes de cumplir 20 años de edad. Decidió hacerse profesional en 1996 y en poco tiempo ganó 2 torneos (profesionales). En 1997, sorprendió al mundo tras ganar el prestigioso Masters Tournament en Augusta National Golf Club de manera récord. Con sólo 21 años de edad, se convirtió en la persona más joven en ganar un torneo mayor, con la mayor diferencia de golpes, y el marcador más bajo.

Tiger Woods ha estado en el centro de muchas controversias debido a su origen racial (mixto, parcialmente negro y asiático) que ha puesto a prueba a la cultura estadounidense, al tomar el liderazgo de un deporte tradicionalmente blanco. Su presencia en el mundo del golf revolucionó el juego y produjo más interés hacia el deporte. Es considerado uno de los golfistas más importantes de todos los tiempos. Para 2005 ya contaba con 10 campeonatos importantes, tercero de la historia del deporte.

En el 2004 contrajo matrimonio con la modelo sueca Elin Nordegren. Ella era la niñera de Jesper Parnevik, un famoso golfista sueco que los presentó. Se casaron en una ceremonia secreta en Barbados ante aproximadamente 200 invitados.

En el 2000, Tiger ganó tres de los cuatro torneos mayores del año, algo que nadie había hecho desde que Ben Hogan lo hizo en 1953. En Pebble Beach, California, ganó el Abierto de los Estados Unidos por un margen récord de quince golpes y empató el marcador más bajo de la historia del torneo. Un mes más tarde, en St. Andrews, la cuna del golf, ganó el Abierto Británico. Para agregar a un verano formidable, ganó otra vez el PGA Championship en Kentucky en un inolvidable duelo contra el desconocido Bob May. Con su victoria en el Masters del 2001, Woods se convirtió junto a Ben Hogan en ser el poseedor de los cuatro trofeos mayores al mismo tiempo. Pero como no ganó todos en el mismo año muchos no lo consideran un Grand Slam, a diferencia de Ben Hogan.

Un hecho negativo en su carrera reciente, fue el perder su primer corte de un torneo mayor, el del U.S OPEN 2006, seguramente por el desconcierto que le causó la muerte de su padre.

MI ADMIRACIÓN Y MI ÍDOLO...

Admiro a Tiger Woods porque me parece un deportista ejemplar. Actualmente el mejor golfista del mundo, Tiger es un hombre perseverante que lucha por sobresalir, por ser el mejor en lo que hace. Su padre murió hace poco, pero él, con coraje, logró sobreponerse y ganó dos de los cuatro torneos más importantes del año. Tigre Woods es un verdadero deportista, un campeón, un hombre excepcional. Es un ejemplo de vida y de perseverancia. Tomó el liderazgo de un deporte que normalmente era jugado por blancos, y él, que es parcialmente negro y asiático, demostró que el origen racial no debe de ser un impedimento para alcanzar nuestros sueños, por eso Tigre Woods es mi deportista favorito.

Tigre es un hombre que marcó una etapa, su influencia causó que los premios de los torneos crecieran. Por ejemplo, cuando ganó su primer torneo mayor en abril de 1997 ganó aproximadamente $426.000, y cuando ganó el mismo torneo en el 2005, obtuvo aproximadamente un millón de dólares. Él trajo al golf el ejercitarse y el mantenimiento de una buena condición física para jugar mejor. Gracias a sus elevados contratos, Woods terminó el 2005 como el atleta mejor pagado del mundo según la revista Forbes, con $87 millones.

Simplemente mágico...

Deporte y Sociedad de Consumo

2007-10-13T11:36:00.000-07:00

EL PATROCINIO VINCULADO A LOS EVENTOS DEPORTIVOS...

La publicidad y los patrocinios en el deporte presentan diversas ventajas; una de ellas es que permiten la vinculación de “la marca” con las cualidades positivas del deporte. Pienso que la publicidad deportiva tiene la capacidad de llegar a pequeños nichos de mercado; asimismo, la marca patrocinadora puede globalizarse, por ende, puede tener una acción sobre líderes corporativos y de opinión. El patrocinio deportivo se ha convertido en una técnica no convencional de comunicación; el deporte se ha transfigurado en una manifestación cultural que genera sentimientos y despierta pasiones. La vinculación entre deporte y patrocino se ha transformado en una estrategia de marketing con grandes cantidades de inversión [incluso se han creado agencias especializadas en marketing deportivo].

Los deportes promueven las marcas y se benefician de ellas; esta publicidad representa una fuente de ingresos para los atletas, deportistas o equipos. Del mismo modo, el deporte sirve como herramienta de marketing para las crecientes necesidades de las empresas por aumentar su competitividad en el mercado a través de la vía del Patrocinio.

Nike y Tiger Woods...

Las diferentes marcas patrocinan a los deportistas [o a equipos] para promover su marca en los uniformes y equipos deportivos como zapatos, balones, entre otros.

La nueva sensación del fútbol...

En ocasiones, la publicidad nos incita a tratar de parecernos a nuestros ídolos...

EN LA MODA...

La publicidad y los patrocinios se han convertido en elementos fundamentales para que los productos deportivos [sobre todo la ropa] se conviertan en productos de uso cotidiano. Es común que hoy en día veamos a gente en la calle con zapatos tennis que antes eran usados exclusivamente para hacer deporte, los cuales son diseñados con mayor criterio estilístico para que combinen mejor con la ropa.

El Puma en la ciudad...

Me he dado cuenta que la publicidad es la causante de que las prendas que antes se usaban exclusivamente para hacer deporte, hoy formen parte de la moda diaria. La moda para ir a trabajar incluso es menos formal [todo es relativo, los altos ejecutivos sí exigen una presentación formal].

El deporte se ha colocado en el modelo de vida de gran parte de la población, creando un ideal en nuestra sociedad: gente más juvenil y fresca; hoy en día vemos a gente en la calle utilizando sudaderas, sweatshirts, tops y licras.

Esta publicidad ha incitado a los grandes diseñadores para crear tendencias “sport” con toque sofisticado y con mucho estilo.

Moda en el deporte...

Cuando un atleta famoso utiliza una determinada marca de ropa, sus fanáticos y seguidores comprarán artículos de la misma marca para parecerse a su ídolo.

LAS GANANCIAS Y LOS DERECHOS DE TRANSMISIÓN...

Las Olimpiadas y el Mundial de Fútbol tienen uno de los mayores impactos a nivel mundial; ya que son vistos por espectadores en más de 200 países. Los ratings de las transmisiones del Mundial de Fútbol o de los Juegos Olímpicos ayudan en la creación de marcas reconocibles, fuertes y estables. Estos niveles de audiencia tan bestiales generan una lucha entre las cadenas de televisión que buscan la exclusividad en las transmisiones.

Varios anunciantes han colaborado con la Copa Mundial de la FIFA, entre ellos se encuentran Coca-Cola, McDonald’s, Fujifilm, Gillette, Yahoo!, Motorola; todas estas empresas se ben beneficiadas por la publicidad que se transmite a través del fútbol.

Las marcas patrocinadoras de grandes eventos deportivos (Juegos Olímpicos y Mundiales) se encargan de ayudar financieramente, mediante servicios, productos y tecnología para la realización de los diversos eventos. Nadie duda de que los grandes eventos deportivos, más allá del deporte son un negocio exitoso.

Las Olimpiadas son evidentemente un espectáculo de gran importancia porque le permite a las marcas exhibirse con gran impacto a nivel mundial; además, los patrocinadores logran recuperar la inversión y crean enlaces de negocios.

La transmisión de los Juegos Olímpicos de Atenas en el 2004 rompieron récord en ganancias por el pago de derechos por poco más de 300 cadenas televisivas del mundo (mil 500 millones de dólares) y en número de televidentes: 3 mil 900 millones. En cambio, por la transmisión del Mundial de Alemania en 2l 2006 se pagaron mil 400 millones de dólares

Inauguración de los Juegos Olímpicos de Atenas 2004...

Goles, goles y más goles...

La venta de artículos con el logotipo oficial del Mundial 2006 registró unos mil 790 millones de dólares.

Para mis Hermanos...

2007-09-26T23:02:00.000-07:00

Carolina y Alejandro...

Mi pasado personificado… Mi presente… Espejos que reflejan mi historia; mi sangre; mis ideales. Son el recuerdo de lo que un día fui; son la representación de un tiempo que no se detiene. Son la esencia de mi ser; soy como soy porque ellos así lo quieren. La dualidad que me hace indestructible. El compartir mi vida con ellos me convierte en un hombre eterno… porque al morir seguiré viviendo en ellos. Me hacen pensar en voz alta… Compartimos un mismo origen y nos dirigimos a un mismo futuro… Ellos me hicieron heredero de una pasión natural. Su crecimiento refleja mi progreso; sus críticas me hacen supremo; sus risas me hacen feliz; su presencia me da tranquilidad; su imagen me genera equilibrio; su sonido me crea emociones; sus deseos son mi propósito; su presente es mi pasado; su futuro es mi presente; su cariño es mi refugio; su actuar es mi esencia; su personalidad es mi devoción; su vínculo es mi sangre; dos almas que me cubren; un par de sonrisas cariñosas; miradas que protegen; ellos me acompañan… incluso cuando no están conmigo.

La Princesa y el Guerrero

2007-09-23T21:39:00.000-07:00

La semana pasada vi la película alemana de Tom Tykwer, Der Krieger und die Kaiserin (La princesa y el guerrero), donde se narra la historia de una enfermera que decide encontrar al hombre que le salva la vida. Dos personajes con ideologías y deseos distintos; un amor poco habitual; un enfrentamiento entre dos seres aparentemente opuestos; la historia de una mujer que cree en el la eventualidad y en el destino. Sissi es atropellada por un camión; Bodo, un ex-militar, le salva la vida haciéndole una traqueotomía improvisada utilizando un popote de plástico y una navaja. El argumento de la película es esta mujer que decide encontrar a su guerrero para asegurarse de que él no llegó a su vida por simple casualidad.

Tom Tykwer es el compositor, guionista y director Der Krieger und die Kaiserin; nació en Wuppertal (Alemania) en 1965 y es conocido mundialmente por su filme Lola rennt (Corre Lola Corre). Su filmografía como director incluye dos cortometrajes Because (1990) y Epílog (1992). Sus filmes incluyen Die Tödliche Maria (1993), Winterschläfer (1997), Lola rennt (1998), Der Krieger und die Kaiserin (2000), Heaven (2002), True (2004), Paris, je t'aime (2006) (segmento “Faubourg Saint-Denis”); posteriormente tendría su mayor reto al filmar el Bestseller de Patrick Süskind Perfume: The Story of a Murderer (2006) . La esencia de su cine es el amor caprichoso y peligroso, el destino y la eventualidad. En 1994, fundó, junto a Stefan Arndt, Wolfgang Becker y Dani Levy, la compañía productora X-Filme Creative Pool. Sus filmes han ganado varios premios nacionales e internacionales, incluyendo el German Film Awards en 1999 con la película Lola rennt.

Der Krieger und die Kaiserin es un filme alemán del año 2000 coproducido por Stefan Arndt y Maria Köpf . La película presenta un mundo enigmático donde los personajes se ven involucrados con elementos románticos, criminológicos y psiquiátricos; un drama donde se distingue tanto romance como tragedia.

Los héroes, es decir, el guerrero y la princesa, se encuentran por primera vez debajo de un camión después de un terrible accidente: un criminal que huye de sí mismo y una enfermera cuyo mundo es una clínica psiquiátrica. Bodo (Benno Fürmann) salva a su princesa y luego desaparece. Sissi (Franka Potente), obsesionada con el misterio de los acontecimientos, decide buscar a su guerrero para conocer si sus vidas se cruzaron por culpa de la casualidad o por culpa del destino.

El ritmo narrativo lento presenta una dualidad de personajes que se conocen por arte del destino y del azar. La película contiene escenas explícitas y duras: en una aparece Bodo realizando una traqueotomía improvisada y en otra uno de los pacientes de la clínica psiquiátrica se come unos trozo de vidrio y su boca comienza a sangrar. La fotografía (Frank Griebe) genera una riqueza visual, las imágenes son claras y bien delimitadas produciendo orden, color, asimetría y belleza; de la misma manera, se procuró especial atención a la edición. Por otra parte, la propuesta musical (Tom Tykwer, Johnny Klimek y Reinhold Heil) nos genera diversos sentimientos y emociones que permiten comprender los eventos desde una representación romántica.

Con referencia al aspecto cultural alemán, Tom Tykwer comenta: “Mi generación está muy marcada por complicadas relaciones familiares. Por un lado hay mucha tolerancia pero por el otro una gran falta de entendimiento. Esta falta de entendimiento entre generaciones es siempre un tema fundamental para mi (…) No es el príncipe el que tiene que salir a la búsqueda de algo, sino la princesa, la emperatriz que conquista su guerrero” . Esta perspectiva se refleja en la película mediante hombres que luchan contra sus pasiones y mujeres que absorben emociones. Una sociedad caracterizada por complicadas relaciones humanas donde existe considerable tolerancia pero poca interacción. Un mundo contemporáneo donde se han alterado los roles sociales y en ocasiones la princesa es la encargada de encontrar y conquistar al guerrero.

El guión, escrito por Tom Tykwer, permite varias posibilidades: ¿Qué habría pasado si Sissi no era atropellada o si Bodo no se hubiera escondido debajo del camión? El cineasta comenta: “En el cine la gente se enfrenta siempre a situaciones decisivas. Me gusta el pensamiento que se repite: ¿qué podía haber pasado en mi vida? ¿qué podía haber pasado en tu vida? ¿qué nos podría haber pasado?. Creo que lo maravilloso es que en el cine puedes ver esta máquina de especular en funcionamiento. Puedes, ahora debemos conocer a esa gente y luego simplemente ir tejiendo, sin ser expuestos a la realidad, mientras en la vida se juega su propio juego.” Der Krieger und die Kaiserin es un una historia que alcanza un significado descifrable mediante el uso de elementos aparentemente tan básicos como un popote de plástico.

Al comienzo de la historia, Bodo no está interesado en tener ningún tipo de relación con Sissi, sin embargo, ella está obsesionada con él y necesita saber el significado de la presencia del guerrero bajo el camión; necesita saber si su vida va a tener que cambiar y cuál es el motivo de eso. Es irónico que cuando el robo del banco sale mal, sea Sissi quien salve la vida de Bodo. Der Krieger und die Kaiserin logra despertar un interés especial; se presenta la presunción del director donde cada personaje tiene una función simbólica: la princesa y el guerrero. Bodo es el personaje que representa al guerrero que mantiene una lucha contra sí mismo y contra sus pasiones; igualmente, Sissi es la princesa que brinda amor, cariño y afecto al bizarro guerrero. La película pretende describir figuras heroicas en un mundo contemporáneo.

La princesa y el guerrero conforman la dualidad de un filme donde cada segundo cuenta; donde la casualidad se convierte en un elemento imprescindible de cotidianidad; donde el destino se convierte en el escritor de nuestras vidas; donde las horas mueren cada sesenta minutos; donde no existe lo irrelevante; donde el pasado no se recupera; donde lo bueno y lo malo son parte de la realidad.

Cuando consigo quedarme dormida, sueño contigo, con tu olor, con tu manera de caminar, con tu manera de respirar, con tu manera de llorar... (Sissi)

Mi Cultura Mediática...

2007-09-05T15:48:00.000-07:00

Es un lunes cualquiera en mi vida… Suena mi despertador a las 5:45 a.m.; me baño, desayuno y me subo a mi coche. En el camino a la Universidad escucho el nuevo disco de Ricardo Arjona. Todos los día tengo clase a las siete de la mañana en el edificio “F”. Llego a mi salón, y empiezo a leer el REFORMA. Prendo mi computadora portátil y reviso mis correos [www.hotmail.com]; luego inspecciono mi cuenta de FACEBOOK. Comienza la clase de Teoría de la Comunicación… Algunas horas después me voy al edificio “D” a la clase de Creatividad Digital, donde aprovecho para ver algunos videos en YOUTUBE.

Terminando la clase me voy a mi casa. Después de comer, me pongo a ver Scrubs en el canal de Sony. Tengo clase de Cultura Mediática a las seis, y durante el camino a la Ibero escucho el disco de James Blunt. La clase se lleva a cabo en el pequeño auditorio edonde nos presentan videos de e imágenes interesantes.

Llego a mi casa como a las 8:30. Me pongo a ver alguna película de comedia que renté en Blockbuster. Posteriormente cenaré y leeré algunas páginas de un libro o una revista antes de dormir.

MI CULTURA MEDIÁTICA

Scrubs

Desastres por CNN

Ricardo Arjona y la Música

Edgar se Cae

Family Guy y la Música

Jóvenes tecnológicos...

2007-09-05T15:43:00.000-07:00

La música ha cambiado... La manera de hacer y de escuchar música se ha modificado con el uso de la tecnología. A lo largo de las últimas décadas, el desarrollo tecnológico ha permitido la creación y grabación de música diferente e innovadora [la actual música electrónica, que surgió a principios del siglo veinte, utiliza máquinas, capaces de producirla de tal manera, que resulta imposible ejecutarla humanamente]. La película Jailhouse Rock de Elvis Presley muestra como en la década de los 50 los instrumentos y la voz se grababa al mismo tiempo; algún tiempo después, la grabación por canales permitiría que los intrumentos se grabaran por separado y después se ensamblaran.

Los jóvenes tienen una necesidad por hacer que todo sea “práctico”; la música se ha convertido en un estilo de vida: en la actualidad, la música “va con nosotros” a todas partes. Esta juventud ha generado varios cambios...

MTV

Primero eran discos de acetato, ahora son discos compactos (CD’s); antes teníamos Walkman, ahora tenemos IPOD. Se han creado canales [musicales] de televisión enfocados a los jóvenes: MTV, VH1, entre otros, donde se presentan videoclips y otros programas musicales.

IPOD

Letras jóvenes...

2007-09-05T14:29:00.000-07:00

Jóvenes y sus letras de canciones...

Las letras de las canciones han sido el concepto mediante el cual los músicos transmiten mensajes [lenguaje] y sentimientos: amor, odio, enojo, rebeldía, desprecio, inspiración, alegría, diversión, desesperación, desconsuelo, deseo sexual, entre otros. Las letras se relacionan con un contexto histórico y cultural; cada época tiene un significado heterogéneo. A medida que pasaban las décadas, la gente empezaba a poner más emociones e ideales en la letras de las canciones; ya no era solamente el ritmo y el baile, sino también el mensaje y el sentimiento. Las letras de las canciones representan un mundo de oportunidades; el paso del tiempo ha permitido que la gente tenga mayor libertad para expresar [sea lo que sea] lo que siente y piensa. Primero eran canciones de amor o de acontecimientos interesantes; posteriormente los hippies comienzan a protestar contra la guerra y el público empezaba identificarse con la cultura musical y con una ideología. Grupos como U2 que se manifestaban en contra de un mundo bélico e inhumano inspiraron a los jóvenes a escribir canciones con temas mundanos y socialmente escandalosos.

La canción de U2 [por poner un ejemplo]"Sunday Bloody Sunday" fue una canción de protesta relacionada con el círculo de violencia dentro del cual parecían estar los participantes del conflicto en Irlanda Del Norte.

Personalmente, me considero “fanático a morir" de Ricardo Arjona. Sus canciones [o mejor dicho, poemas] son muy extensas y metafóricas; tratando temas que jamás se me ocurrirían; por ejemplo: la canción “De vez en mes" es una obra [supremamente creativa] que habla sobre la menstruación; un tema peculiar que se maneja con metáforas precisas y analogías gloriosas. Este es un ejemplo de cómo los jóvenes han tenido influencia en la música [a pesar de que Arjona ya no es tan joven] y hoy en día se tocan temas diferentes e innovadores.

DE VEZ EN MES

Artista: Ricardo Arjona
Album: Adentro
Canción: De vez en mes

De vez en mes te haces artista
Dejando un cuadro impresionista
Debajo del edredón

De vez en mes con tu acuarela
Pintas jirones de ciruelas
Que van a dar hasta el colchón

De vez en mes un detergente
Se roba el arte intermitente
De tu vientre y su creación,
Si es natural cuando eres dama
Que pintes rosas en la cama
Una vez de vez en mes…

De vez en mes
La cigüeña se suicida
Y ahí estas tú tan deprimida
Buscándole una explicación

De vez en mes
El cielo te roba el milagro
El tiempo te hace un calendario
De una vez, de vez en mes

De vez en mes
Tú me propones
Huelga de hambre
Yo algo de imaginación.

De vez en mes la luna nueva
Viene a quitar lo que renueva
Y a colocar otra ilusión

De vez en mes soy invisible
Para intentar en lo posible
No promover tu mal humor

De vez en mes no hay quien te aguante
Y es tu pecado estar distante
Y otro peor quedarme ahí
Y aunque hay receso obligatorio
Y el cielo se hace un purgatorio
Te amo más de vez en mes

De vez en mes
La cigüeña se suicida
Y ahí estas tú tan deprimida
Buscándole una explicación

De vez en mes
El cielo te roba el milagro
El tiempo te hace un calendario
De una vez, de vez en mes

De vez en mes
Tú me propones
Huelga de hambre
Yo algo de imaginación.

De vez en mes
Tu vientre ensaya para cuna
Tu humor depende de la luna
Y yo te quiero un poco más

De vez en mes
A ti te da por tomar siestas
A tus hormonas por las fiestas
Y el culpable siempre yo

De vez en mes
No hay más reloj que el de tu cuerpo
No hay más luz que la que das
De vez en mes

Expresión musical y juventud

2007-09-05T13:50:00.000-07:00

En los sitios de expresión...

Por otro lado, la tecnología se ha convertido en un fenómeno que le da la libertad a los jóvenes de expresarse; la música [letra] es un medio que permite transmitir mensajes en la radio, la televión o incluso el Internet. A través de esta lectura, se puede entender cómo es que los jóvenes se han apropiado de la música y la han utilizado como una herramienta de expresión y autonomía. Actualmente las sociedades tienden a ser un poco más liberales y no tan cerradas como lo era hace cincuenta años [como la homosexualidad].

Rent y la expresión...

La homosexualidad es un tema que genera gran polémica; la sociedad considera que la degeneración y la perversión se deben asignar a la gente homosexual. Debemos tener en mente que no todos los homosexuales son escandalosos, ni degenerados, ni pervertidos; asimismo es fundamental que estemos concientes de que la promiscuidad existe tanto en parejas homosexuales como en heterosexuales. En la actualidad, varias sociedades ven solamente lo que quieren ver y las cualidades negativas se las atribuyen a grupos minoritarios como los homosexuales. Es elemental destacar la homofobia o el miedo a la homosexualidad; en la actualidad, la gente tiende a ofenderse más cuando dos hombres se besan que cuando lo hacen dos mujeres.

Hair y rebeldía...

La aceptación de la homosexualidad interfiere con los valores sobre los cuales se basa nuestra sociedad; provocando que la cultura la impugne (la homosexualidad). Estos valores incluyen el hecho de que la homosexualidad rompe la ley reproductiva, se enfrenta a las normas religiosas, y provoca que se confundan las ideas de sexos (masculino, femenino), además, no existe un rol en la sociedad al cual estas personas (homosexuales) puedan incorporarse. Sin embargo, estos valores ya están siendo cuestionados en la actualidad; la homosexualidad ha empezado a juzgarse menos negativamente.

Los temas que trataría la música serían el aborto, el VIH-SIDA, la drogadicción, la pornografía, la discriminación y la prostitución. Todos generan polémica y controversia en la sociedad. Los temas que se trataron en los musicales de los 70 y 80, como Hair, eran un símbolo de liberación; en la actualidad, los temas de un musical podrían ser un modo de protesta en contra de la discriminación y la diferencia de clases; también sería una manera de pronunciarse en contra de la guerra y de la violencia que invaden al mundo contemporáneo; una crítica al racismo y a la libertad de expresión.

Expresión en Woodstock...

Los jóvenes, la música y la cultura...

2007-09-05T13:26:00.000-07:00

EN LO CULTURAL…
La música se ha convertido en un estilo de vida “manipulado” por los jóvenes. Existían aspectos físicos [como el pelo] que ocasionaron una gran polémica en una época determinada [por ejemplo los grupos hippies y The Beatles]; en la actualidad, también existen algunos elementos que pueden ocasionar polémica: piercings, tatuajes, ropaje, entre otras. Estas formas de expresión se pueden utilizar como crítica a los problemas de la sociedad, a la guerra y a la discriminación. “Yo puedo hacer lo que quiera con mi cuerpo…” Las sociedades, hoy en día, se enfrentan al dilema de la homosexualidad que “va en contra de la naturaleza humana”. Este es un elemento que ha generado diversidad de opinión entre la gente. Pero los jóvenes han plasmado en la música sus ideologías y modas.

Beatles y peinados...

El cabello producía polémica, ahora la homosexualidad ocasiona discusiones. Las clases conservadoras reprochan el uso de tatuajes, piercings y ropa desaliñada; sin embargo, estos elementos o adornos pueden ser considerados parte de una moda vanguardista. Existe gente que los acepta aunque no esté de acuerdo con esta moda; hay otra que simplemente la recrimina; y otros la adoptan como un estilo de vida. Debemos emplear argumentos y situaciones propias de la época, eliminando las inseguridades y los miedos. Para unos puede ser bárbaro ver a una pareja homosexual, para otros ver a una persona con muchos tatuajes o piercings, o con peinados extravagantes. Estas actitudes son un reflejo de estilos de vida de los jóvenes hoy en día; conductas que se relacionan directamente con la música.

Elton John... pura creatividad

Todos estos elementos que generan polémica son utilizados para “sentirse diferente”, para “ser libres”, para expresar una disconformidad, o para protestar. Pero sea cual sea la razón, las sociedades contemporáneas deben de tener un grado de tolerancia para que exista la famosa democracia. Siempre van a existir prejuicios y discriminaciones; lo importante es que la gente no tenga miedo de expresarse y de ser diferente, siempre en un sentido pacífico.

Existen grupos musicales con apariencias realmente extrañas y extravagantes; sin embargo la juventud actual ya no se “espanta” con esta diversidad de actitudes y visiones. Incluso los bailes se han vuelo mas sensuales y sexuales, “cuerpos sudados” y movimientos “sexys”; recordemos que anteriormente los bailes eran mucho más conservadores. Lo mismo sucede con la ropa; hoy en día se tiene una moda vanguardista y atrevida que hubiera sido criticada anteriormente. Toda esta influencia se aprecia en la música y en la manera en que se visten y arreglan los grupos contemporáneos.

Algunos afirman que la conducta del individuo está marcada con el tipo de música que escucha; géneros como el Heavy-Metal se relacionan con drogas, alcohol, rebeldía, suicidios, entre otros.

Kiss y extravagantes...

Poder Real de los Medios de Comunicación

2007-09-05T09:27:00.001-07:00

Poder y Manipulación de los medios

Los medios de comunicación [en la época contemporánea] se han convertido en un fenómeno esencial de la humanidad. La tecnología permite que los medios presenten información de manera masiva [alguna incluso irrelevante y empobrecida]; influyendo en diversos órdenes sociales. Tanto la política como la publicidad pretenden tener éxito apareciendo en los medios masivos, los cuales son capaces de “manipular” el pensamiento de un público heterogéneo.

Muro de Berlín

Citando a Manuel Castells (1998: 23) [prólogo de su obra universal]: "La revolución de las tecnologías de la información y la reestructuración del capitalismo han inducido una nueva forma de sociedad, la sociedad red, que se caracteriza por la globalización de las actividades económicas decisivas desde el punto de vista estratégico, por su forma de organización en redes, por la flexibilidad e inestabilidad del trabajo y su individualización, por una cultura de la virtualidad real construida mediante un sistema de medios de comunicación omnipresentes, interconectados y diversificados, y por la transformación de los cimientos materiales de la vida, el espacio y el tiempo, mediante la constitución de un espacio de flujos y del tiempo atemporal, como expresiones de las actividades dominantes y de las élites gobernantes"

Los medios de comunicación masivos representan un poder político, ideológico y económico; donde abundan los mensajes y oferta. Este exceso de material de comunicación no necesariamente significa más y mejor información; además no debemos confundir información con conocimiento.

Los medios de comunicación [en la actualidad la televisión es el medio más representativo] determinan la pauta sobre la cual se establece una sociedad “teledirigida”. Somos un mundo visual [si vemos algo es porque ese algo es verdad]; una humanidad consumista que ha perdido su capacidad de abstracción y que se dejan guiar y utilizar por los medios.

Escándalo en la Casa Blanca

La gente se ha hecho dependiente de los medios [reflejando el inmenso poder de éstos], sobretodo a la televisión. La gente cada vez lee menos y por lo tanto se restringe nuestra capacidad de comprender.

El poder de los medios también se puede ver reflejado en la política, donde la mayoría de las campañas basan sus estrategias en los medios. Del mismo moda, la esencia de la publicidad se encuentra en la facilidad que tiene los medios para llegar a una población determinada.

Definiendo el Imaginario Colectivo

2007-09-05T08:48:00.000-07:00

Estereotipos Publicitarios

Un imaginario colectivo se compone de costumbres, valores, prácticas y razonamientos que existen en una sociedad. La instauración de un imaginario colectivo no debe ser una utopía, sino un procedimiento que nos permita analizar la democracia real y auténtica. La imagen esta directamente relacionada con la figura o apariencia; convirtiéndose en una representación [mental]de lo que se percibe. Esta percepción ,al ubicarse en un contexto y tiempo determinado, no siempre concuerda con la realidad.

Un imaginario [definido en Wikipedia] “es el efecto de una compleja red de relaciones entre discursos y prácticas sociales, e interactúa con las individualidades”. Este imaginario colectivo genera tendencias que se manifiestan a través del lenguaje y de la interacción.

Los modelos de los imaginarios colectivos son temporales [lento pero continuo]. Es la percepción que se tiene sobre un grupo [aspecto] utilizando estereotipos; los medios masivos de comunicación tienen una influencia en la conducta y comportamiento de la sociedad. Es como si una invención se convirtiera en costumbre; como si todos los mexicanos fuéramos charros, chaparros y morenos, con sombrero y bigote. Esto se debe a que una idea mediática se transmite de manera repetitiva y las sociedades empiezan a crear ciertos estereotipos (ideas generalizadas de la realidad).

Charros Mexicanos

El Grito de la Cultura

2007-09-05T00:00:00.000-07:00

“El grito” (en noruego Skrik) del pintor noruego Edvard Munch es una de mis pinturas favoritas. Esta pintura es una obra de arte en la cual se representa una figura sencillamente humana que es acometida por una angustia existencial. La figura que agoniza se encuentra dándole la espalda a un cielo rojizo, pareciera un cielo cubierto de sangre que genera un sentimiento de intranquilidad y ansia. La obra genera una “revolución” de emociones y forja una serie de dudas: ¿Por qué la figura se cubre los oídos con las manos? ¿De dónde proviene el supuesto sonido? Munch plasma en la obra diversos aspectos de la vida humana, los cuales estimulan una relación interpersonal con el autor; así mismo, presenta una conexión entre el ser humano y la naturaleza. El ensordecedor sonido es un “grito de desesperación” de la naturaleza, probablemente es el sonido de algún volcán. El sufrimiento es parte de la vida y en ocasiones se convierte en el camino a la felicidad, es por ello, que esta obra se puede describir como un laberinto de emociones que nos dejan ver la parte humana de las personas y el temor que se tiene a todo aquello sobre lo que no se tiene control, en este caso, la naturaleza. “El grito” tiene los elementos esenciales de una obra de arte: forma y contenido. En la forma podemos encontrar el diseño de la obra y el material utilizado para su realización; mientras que el contenido es el mensaje que el autor nos trata de transmitir, el cual puede ser interpretado de manera distinta por cada espectador. “El grito” es arte ya que posee líneas, forma, espacio, contenido, color, textura y perspectiva.

Un cielo rojo sangriento, un fiordo azulado, una figura desesperada y un grito de la naturaleza que agobia; son todos componentes de esta obra que despierta una cierta curiosidad y ansiedad en el público. Angustia, dolor, desesperación y temor son sentimientos que se logran emitir mediante una combinación inteligente de colores y figuras inconclusas. “El grito” tiene la excelencia de hacernos reflexionar sobre el dolor que forma parte de la vida de cualquier ser humano, ya sea dolor físico o dolor emocional.

Monopolio Mediático

2007-09-04T23:38:00.000-07:00

Hace 3 años; escribí, dirigí y edité un "comercial" del famoso juego de Monopolio (trabajo escolar)...

Crimen Ferpecto... Un Universo Publicitario

2007-09-04T23:15:00.000-07:00

Hace un par de semanas vi el filme de Alex de la Iglesia, Crimen Ferpecto, el cual tiene como protagonista a Rafael, un hombre ambicioso y seductor que trabaja en el departamento de damas en un gran almacén. Su obsesión y pasión son las ventas; su debilidad son las mujeres hermosas; y la perfección es la representación de su mundo ideal. Su sensualidad le permite dominar a sus empleadas que le ayudan a conseguir todo lo que quiere. Él desea convertirse en el Jefe de Planta, pero Don Antonio, el encargado del departamento de caballeros, obtiene el puesto; sin embargo, después de una discusión, Rafael mata accidentalmente a Don Antonio. El único testigo es la empleada más fea del departamento de mujeres, Lourdes, quien extorsiona a Rafael para convertirlo en su esclavo, su amante y posteriormente su marido. La vulgaridad en la nueva vida de Rafael comienza a destruir su mundo perfecto, donde supuestamente todo es ideal, bello, elegante y sin fealdad.

El filme está narrado en primera persona; Rafael se describe como un hombre que cuando quiere algo simplemente lo toma. Sus aires de superioridad le permiten besar a una mujer desconocida en la calle o le dan la libertad de robarse un periódico; la violencia y el sarcasmo se utilizan como un recurso humorístico, el cual prevalece sobre la verosimilitud de la película. Uno de los temas principales de la película es la belleza y la fealdad; Lourdes sabe que es fea y que Rafael prefiere a las mujeres guapas, además, él jamás se había fijado en ella y ella estaba enamorada de él.

Varios estereotipos se manejan en el filme, partiendo del concepto de que las mujeres feas no tienen la culpa de ser feas, y los hombres tampoco tienen la culpa, pero el mundo está creado así, un deportista no besa a una mujer fea, y las mujeres que salen en la televisión deben ser bellas. Sin embargo, Rafael se ve obligado a mentirle a Lourdes para que ésta no vaya con la policía, argumentando que para él lo más importante es la belleza interior. Lourdes obliga a Rafael a despedir a las empleadas hermosas y suplantarlas por mujeres poco atractivas; las ventas comienzan a subir cuando las compradoras dejan de sentirse intimidadas por vendedoras bonitas.

La vida está llena de imperfecciones; el ejemplo preciso es cuando Rafael compra la película de Crimen Perfecto y la caja registradora la identifica como Crimen Ferpecto. El mundo perfecto que Rafael ha querido crear se va deshaciendo a medida que avanza el filme; incluso, al final, la fea se impone sobre el guapo y seductor.

Crimen Ferpecto es un golpe en contra del consumismo, donde los almacenes se convierten en el escenario de una historia donde la suerte no existe y un hombre le teme a la idea de convertirse en un idiota con una vida mediocre. Sin embargo, la experiencia le enseñará a Rafael, mediante la vulgaridad y el mal gusto, que la realidad no es perfecta: clientes corrientes, compañeros con aspecto mediocre y mujeres con valores materiales y artificiales.

Dentro de los elementos kitsch encontramos la escena en la cual Lourdes pretende tener sexo con Rafael, tratando de seducirlo de manera grotesca y de mal gusto. Otro elemento de la misma esencia es la extravagante familia de Lourdes, donde sale a brillar la vulgaridad de la hermana mitómana y la superficial madre; además, el padre se presenta como un hombre extraño que gusta de coleccionar objetos miniatura. La decoración tanto del almacén como de la casa de la familia de Lourdes pueden ser considerados elementos kitsch, ya que son adornos demasiado pretensiosos. Otro suceso de mal gusto es el hecho de que una señora intenta robarse unos calzones. Por otra parte, un fragmento surrealista es la moda payaso, la cual marca el éxito de Lourdes, el personaje antiestético y repulsivo.

Las intervenciones del fantasma de Don Antonio, que le pide a Rafael que mate a Lourdes, son parte del humor negro que se presenta en el filme. Una película que cuestiona a la sociedad trastornada y comercial en la que habitamos; una sociedad donde el consumismo y la frivolidad lo es todo; donde el sexo, la muerte, los estereotipos son parte de un mundo sin ídolos y lleno de víctimas imperfectas. La comedia negra está representada por escenas de violencia, sadismo y obsesión: Rafael matando a Don Antonio de manera accidental; Rafael escurriéndose por los probadores para llegar al cadáver; Lourdes descuartizando sanguinariamente el cuerpo de Don Antonio; Rafael empujando maliciosamente a Lourdes en la rueda de la fortuna; la constante obsesión enfermiza de Lourdes por un hombre superficial; y Lourdes clavándole un cuchillo a Rafael y posteriormente lamiéndole el rostro. Escenas realmente sádicas y algunas sangrientas que más que miedo producen risas; proyectando un mundo materialista donde los sentimientos ajenos no tienen importancia y donde los personajes son prepotentes y egoístas. El consumismo se representa con una lucha entre brutales compradores que ingresan a los almacenes comportándose como seres irracionales. Se simboliza una sociedad donde lo importante no es lo que se hace, sino lo que se tiene. La superficialidad que gobierna al mundo; obsesiones positivistas que administran la vida de la gente. Este materialismo produce que las personas se tornen solitarias y se crean autosuficientes. La imperfección es el enemigo de todos y la perfección es inalcanzable, por lo tanto los persona se sienten desgraciados e infelices. La envidia corroe a los personajes de este filme, convirtiendo el ambiente en un infierno donde cada individuo personifica a un demonio.

Crimen Ferpecto critica el impulso excesivo de la gente, donde aparece el hombre ambicioso, machista y consumista que es castigado con su peor pesadilla: una mujer vulgar, fea, obsesiva y manipuladora. Es una comedia donde pareciera que los feos no merecen respeto y donde el humor negro tiene su mayor representación en un fantasma elocuente.

El final del filme nos presenta a un Rafael envuelto en imperfecciones; vendiendo en su propio negocio y siendo opacado por el éxito de una mujer deslucida y grotesca; una moda payaso que llevó a Lourdes a la fama. Unos personajes que nos enseñan que en el mundo lo importante debe ser lo que se hace y no lo que se tiene; donde el materialismo y el egoísmo son castigados; y donde la felicidad se alcanza disfrutando lo que se tiene y no pensando en lo que se quisiera tener.

El video de mi cultura...

2007-09-04T22:44:00.000-07:00

Mi video...

Remediacion de un medio hacia otro...

2007-09-04T12:37:00.001-07:00

ROYAL CASINO (Novela a Cine)

La última película de James Bond, Casino Royal, está basada en la novela homónima de Ian Fleming. La novela fue publicada en en 1953 y fue el primer libro de la serie de James Bond. La película Casino Royal presenta a Daniel Craig como el agente (secreto) 007.

THE ABYSS (Cine a Novela)

James Cameron escribió y dirigio esta película de 1989. La historia trata sobre una instalación petrolífica que es contratada para rescatar a un submarino nuclear que se hunde misteriosamente. Uno de los personajes descubrirá una fuerza incomprensible capaz de cambiar el mundo.

Posteriormente, James Cameron y Orson Scott Card convirtieron la película en una novela.

STARSKY & HUTCH (Serie de Televisión a Cine)

Una de las series más célebres de los años 70 (1975-1979), Starsky & Hutch, fue llevada a la pantalla grande en el 2004. Dave Starsky y Ken "Hutch" Hutchinson son dos policías que viven divertidas aventuras en las calles de Bay City. La película representa el estilo y la moda "setentera".

“FRANK MILLER’S SIN CITY” (Cómics a Cine)

Frank Miller escribe y codirige (junto a Robert Rodríguez) esta adaptación del cómic a la pantalla grande. Sin City es una ciudad corrupta, violenta y solitaria; es un lugar insensible y tenebroso. Un territorio de policías corruptos, mujeres sensuales y seres en busca de venganza; es un universo donde se rechaza el bien y lo correcto.

EL UNIVERSO DE TOMB RAIDER

THE AMULET OF POWER (Videojuego a Literatura)
LARA CROFT: TOMB RAIDER (Videojuego a Cine)
LARA CROFT TOMB RAIDER: THE CRADLE OF LIFE (Videojuego a Cine)

Tomb Raider es un videojuego (1996) que narra las aventuras de Lara Croft, una arqueóloga británica que recorre el mundo buscando tesoros y reliquias. La película Lara Croft: Tomb Raider, basada en la serie de videojuegos fue estrenada en el 2001 y en el 2003 se estrenó su secuela, Lara Croft Tomb Raider: La cuna de la vida. Asimismo, se publicó el libro “Amuleto del Poder” escrito por Mike Resnick, basado en el mismo videojuego.

Lara Croft: Tomb Raider Trailer

Roger, Michael y Yo

2007-09-01T18:06:00.000-07:00

La semana pasada vi el documental de Michael Moore, Roger & Me, donde se exponen las tragedias generadas por General Motors (GM) cuando cerró plantas en Flint (Michigan) y 30,000 trabajadores quedaron desempleadas. Es una odisea que presenta el sufrimiento de miles de personas que perdieron su trabajo, sus casas y la mayoría de sus pertenencias; Moore está decidido a que el Director General de General Motors, Roger Smith, visite Flint para comprender la infelicidad que su empresa ha ocasionado. El filme comienza con crónicas de la vida de Moore: su infancia, su familia, su trabajo en San Francisco y la decisión de General Motors de cerrar sus fábricas para trasladarlas a México donde la mano de obra es más barata. Una búsqueda de respuestas a la catástrofe que invadió a Flint y que generó un sentimiento de cólera y rabia entre la sociedad; un documental que refleja la diferencia que existe entre los valores personales y valores profesionales apoyándose en un contexto de responsabilidad social.

Michael Moore es un documentalista estadounidense que critica la violencia, la guerra en Irak, al presidente George W. Bush y a la globalización. Moore es el director y productor de Bowling for Columbine (2002) y Fahrenheit 9/11 (2004), dos de los documentales con mayores ingresos en la historia; ganó un premio Oscar por Bowling for Columbine en la categoría de Mejor Película Documental; y Fahrenheit 9/11 ganó la Palme d'Or en el Festival de Cannes.

Dirigido, escrito y producido por Michael Moore, Roger & Me pretende que el público se percate de cómo los valores profesionales de las corporaciones estadounidenses (como General Motors) son más importantes que la vida y estabilidad de sus empleados. Moore está convencido de que la negligencia corporativa es un pecado; y su manera de expresar su disconformidad es la creación de un documental con una mezcla de venganza, comicidad, seriedad y tragedia. La película financiada por Michael critica la política económica y las actitudes sociales del gobierno estadounidense que permite que una corporación elimine la mayor fuente de ingresos de una ciudad, su ciudad.

En el documental se presentan clips de General Motors y videos de los noticieros que informaban el cierre de las fábricas; además, se muestran entrevistas con trabajadores de GM, con artistas de la época y con habitantes de Flint, lo cual acentúa el conflicto entre los valores empresariales y los valores sociales. Michael es un manipulador e ingenioso director que gusta de poner el dedo en la llaga, presentando un documental anticapitalista que trata sobre el deterioro del sueño americano. El encargado de las relaciones públicas de General Motors explica en una entrevista que los despidos son deplorables pero necesarios; declarando que el principal objetivo de toda compañía debe ser el incremento de la rentabilidad de sus accionistas.

Roger Smith es presentando como una persona sin escrúpulos y sin vergüenza; Michael pasa una gran parte del filme persiguiendo al Director General para pedirle que visite Flint. Sin embargo, desde el comienzo nos percatamos de que es muy improbable que se lleve a cabo el encuentro; Moore se muestra como un hombre ingenuo que se sube al elevador del edificio de General Motors en Detroit y se sorprende cuando el botón del piso en donde está la oficina de Smith no se enciende. El viaje (que duró más de dos años) del documentalista por Estados Unidos para interrogar a Roger se encuentra entrelazado con situaciones un tanto cómicas o con las tragedias de los desalojos de los desempleados que no tienen la capacidad de pagar un alquiler; el ayudante del alguacil se convierte en un desalmado personaje que debe realizar el trabajo que nadie quiere realizar. Los testimonios reveladores y los escenarios son herramientas que el cineasta emplea para crear un documental hostil y rencoroso.

Moore utiliza información, explicaciones, descripciones y una perspectiva interactiva que le permiten plasmar su opinión de manera más concisa y directa. En Flint, los pobres se volvían más pobre y el índice de crímenes incrementaba de manera notable, las cárceles estaban totalmente llenas. Algunos desempleados vendían su sangre, otros trabajaban en las cárceles o en Taco Bell, y otros simplemente trataban de mantenerse vivos. Incluso, la revista Money afirmó que Flint era el peor lugar para vivir dentro de los Estados Unidos. Moore nos quiere dar a entender que todos los males del país se deben a la avaricia corporativa del gobierno y de las empresas; una nación materialista y utilitaria.

Los desempleados de Flint tratan de darse ánimos mediante desfiles, sermones y música; sin embargo, el documental presenta contrastes: la gente rica opinaba que los desempleados no querían trabajar y por lo tanto no podían superar su crisis. Al mismo tiempo, el salario de Roger Smith incrementa de manera extraordinaria. El documental es una disputa de valores; donde los ideales económicos se entroncan con los sociales. Las palabras de esperanza del mensaje de Navidad de Roger Smith se presentan paralelamente con imágenes de los desalojos en Flint; una discrepancia entre lo que se dice y lo que se hace. Después del discurso, Moore se acerca a Roger y le pide que vaya a Flint, el Director de General Motors responde que no puede.

Michael Moore es un personaje atípico y desaliñado; manipulando el argumento y dándole un enfoque anticapitalista. Él participa en el filme suministrándole su toque de sarcasmo e ironía; es un ciudadano comprometido con sus ideales. Los aspectos económicos y los sociales producen una divergencia de opinión donde la responsabilidad social se convierte en un tema polémico y debatible. ¿Hasta dónde llega esa responsabilidad social de las compañías? Este es un documental que muestra cómo en ocasiones los valores empresariales destruyen a los sociales; Roger tomó una decisión profesionalmente aceptable, pero humanamente reprochable; y Michael es quien tiene el carácter de luchar por los intereses de Flint; él solo hizo más ruido y esfuerzo que el resto de la comunidad. Michael Moore podrá ser muy criticado y muy polémico, pero no cabe duda que es un hombre ingenioso, decidido y perseverante.

Una Vida Irreversible

2007-08-26T20:55:00.000-07:00

En la película francesa de Gaspar Noé Irréversible, una mujer es violada y su novio y ex-novio se embarcan en una frenética y desesperada búsqueda de venganza. Los eventos suceden en orden cronológico inverso, de fin a principio; las escenas son extremadamente explícitas; la cámara se convierte en otro personaje de la historia y su conducción pretende eliminar las insinuaciones eróticas, manteniéndose estática en la escena de la violación y moviéndose confusamente en la escena donde Marcus (Vincent Cassel) y Pierre (Albert Dupontel) llegan a Rectum, un club gay donde los hombres se encuentran deseosos de placer. La cámara sube y baja mientras se lleva a cabo una pelea donde un hombre termina muerto con la cara destrozada. Este es el principio de la película y el final del argumento. De la misma manera, es interesante la forma en que la cámara gira sobre sí misma durante los cambios de escena.

Irréversible es una película francesa filmada en el año 2002; coproducida por Nord-Ouest Productions, Eskwad, 120 Films, Les Cinemas de la zone y Studiocanal ; el filme presenta un mundo obsceno donde los personajes se ven envueltos en un mundo de venganza, violencia, sexo y crimen. Es un drama o thriller donde se distingue tanto romance como terror.

El director y guionista de Irréversible, Gaspar Noé, es hijo de padres argentinos de ascendencia italiana; nació en Buenos Aires y reside en Francia desde los once años; su arte está fuertemente inspirado por los filmes del cineasta Stanley Kubrick. Su filmografía como director incluye cortometrajes como Carne (1991) y Seul contre tous (1998), los cuales obtuvieron el Premio de la Crítica de Cannes. Dentro de sus películas se incluyen Tintarella di luna (1985), Pulpe amère (1987), Sodomites (1998), Irréversible (2002) y SIDA (2006) . Normalmente experimenta con temas de violencia, venganza, violaciones, racismo y pornografía.

El argumento es simple y directo, un despertar vengativo, rudo y violento, donde un hombre impetuoso e impulsivo hará cualquier cosa con tal de satisfacer su necesidad de venganza. Irréversible logra despertar un interés especial; se presenta la teoría del director donde cada personaje tiene una función simbólica, la venganza (Marcus), la lealtad (Pierre), la belleza (Alex) y la crueldad (violador).

Los doce planos secuencia son extensos y se presentan en tiempo real; paralelamente, los movimientos de la cámara generan intensidad, confusión, suspenso, éxtasis e incluso impaciencia. La propuesta musical es enérgica, creando una mezcla de Beethoven con Thomas Bangalter; la fotografía (Benoît Debie y Gaspar Noé) produce desorganización, orden, color, oscuridad, asimetría y belleza; asimismo se prestó especial cuidado en el área de edición. La cámara tiene vida propia; durante la violación se restringe a permanecer estática, provocando que el erotismo se transforme en angustia y dolor. La relación causa y efecto se convierte en la esencia de la película que permite que el público manifieste un criterio objetivo.

Una de las escenas más controversiales de Irréversible es la violación; se presenta de manera cruda y violenta, como una simple manera de narrar una situación mundana. El personaje de Mónica Bellucci sufre una violación de nueve minutos con la cámara estática; el cuerpo de la mujer lucha desesperadamente por librarse de su agresor. Posterior al ataque, el hombre le suministra una cruel y bestial golpiza. Noé comenta sobre la escena: “Ella (Bellucci) estableció el cómo y cuánto. Puso límites, pero no fueron muchos porque como actriz y como persona es una absoluta guerrera”. Otro suceso realmente explícito y violento es cuando Pierre, ex-novio de Alex, le aplasta el rostro a un hombre a base de golpes con un extintor de incendios. La película se convierte en una verdadera pesadilla de impotencia por no tener los medios para revertir el tiempo, convirtiéndose éste en uno de los peores enemigos de los personajes.

El aspecto cultural francés es un elemento que puede ser analizado; la mujer bella y burguesa es castigada debido a su estatus social. El personaje de Mónica Bellucci se presenta en situaciones donde se expone su nivel económico: fiestas, vestidos y drogas que exteriorizan a una mujer pudiente y acomodada; además de la belleza física que se exhibe como fundamento en la disputa del honor entre clases. En el filme también se puede apreciar el estilo de vida de diversos sectores de la población parisina; el club sadomasoquista que aparece en el filme es real, lo que generó que los actores se sintieran un tanto incómodos durante la filmación de las escenas.

Se presenta el aspecto sórdido de París, donde sus habitantes saben que cualquier cosa les podría pasar, en cualquier lugar y en cualquier momento. El realismo demuestra la crudeza de una sociedad que sorprende y nos hace reflexionar sobre lo que somos. “No creo que la violación ni el asesinato en el club gay estén en el filme por oportunismo. Sinceramente te digo que ni Gaspar ni yo misma teníamos intención de crear controversia cuando diseñábamos la escena. Desde mi punto de vista, el debate beneficia más a la prensa que al largometraje, porque poner en grandes titulares Salvaje violación de nueve minutos vende más periódicos que entradas de cine” , respondió Bellucci a la polémica generada por los medios de comunicación. Los grupos fascistas se revelan en contra de quienes cruzan el límite de lo que las leyes sociales consideran aceptable; la intolerancia y el racismo de la película presentan un contexto que pretende apegarse a la realidad de la época. La temática aborda cuestiones como la homosexualidad, el travestismo y el mismo sadomasoquismo.

Irreversible “porque el tiempo lo destruye todo” ; porque la violencia no perdona; porque la venganza es parte de la naturaleza humana; porque el pasado no se recupera; porque el mundo no es perfecto; porque los crímenes son reales; porque el amor no tiene época; porque tanto lo bueno como lo malo son parte de la realidad; porque la discriminación existe; porque la sociedad se destruye a sí misma; porque la vida se acaba.

Los Simpson: La película

2007-08-15T19:44:00.000-07:00

Los Simpson en la pantalla grande... Hoy fui a ver la película y pienso que ofrece un tiempo agradable y varias risas. Considero que la película es buena y recomandable para aquellas personas que gustan del humor sencillo. Algunos chistes son más graciosos que otros, pero me sorprendió que en algunas situaciones cómicas nadie en la sala se reía, solamente yo.

Realmente nunca he sido un gran "fan" de los Simpson; sin embargo, los pocos capítulos que he visto de la serie me gustan bastante. Es un programa ingenioso, creativo y tiene la capacidad de crear un conjunto de costumbres sociales. La película es como un episodio muy largo con diversas historias; además el guión es bastante interesante y uno de los temas principales es el cuidado del medio ambiente. El sonido, el color y los dibujos son bastantes buenos...

Una de mis escenas favoritas es cuando Marge encuentra huellas en el techo de su casa y encuentra a Homero cantando con un cerdito: ¨Puercoaraña, puercoaraña, destruye al mal con su telaraña¨. Posteriormente, Homero le cambia el nombre al puerco y lo llama ¨Puercopotter¨, en referencia al personaje Harry Potter.

La película me gustó mucho más de lo que esperaba, ahora, me gustaría ver las series... A mí me gusta mucho un programa de televisión que se llama "Family Guy", el cual tiene un humor muy parecido al de los Simpson.

Los que no han visto la película, vayan. No se van a arrepentir...

Mr. Brooks: La vida perfecta de un asesino perfecto

2007-08-14T21:35:00.000-07:00

Kevin Costner interpreta a Mr. Brooks, un hombre incapaz de controlar sus emociones. Él tiene dinero y poder, sin embargo, también tiene una terrible adicción...